:: América Macanuda ::

Solemania: "Juntos por unica vez" (Sony Music, 2002)

2010-08-04T22:38:00.000-03:00

por Chico Cougo

Fonte: Sony Music

Soledad Pastorutti trilhou um caminho de glórias diversas. Tornou-se a primeira mulher argentina a vender um milhão de discos, engatou uma seqüência de seis CDs premiadíssimos, levou um milhão de espectadores ao cinema com seu único filme, abocanhou a liderança de audiência com sua novela “Rincón de Luz” (Telefe, 2002) fez shows por toda a América Latina, foi aclamada por espanhóis, ingleses, franceses e israelenses. Enfim, num período de seis anos, se transformou numa autoridade musical, capaz de escolher os músicos, o repertório e a temática de seus discos e shows.

Apesar disso, o sucesso não lhe subiu à cabeça. O sétimo disco na carreira da santafesina de Arequito, editado em 2002 pela Sony, mostra bem a sua preocupação em não isolar-se daqueles que, desde tenra idade, lhe serviram de influência. Depois do exitoso “Libre”, Pastorutti une-se a um dos mais importantes nomes da música popular argentina num disco-tributo ao folclore. “Sole y Horacio juntos por única vez”, em parceria com o célebre poeta e cantor Horácio Guarany, é uma das maiores pérolas na carreira do furacão.

São vinte faixas, todas gravadas ao vivo, em 25 de outubro de 2002, no Luna Park (talvez o mais tradicional estádio portenho, lugar onde velaram Carlos Gardel em 1935, inclusive). Diante de milhares de espectadores enlouquecidos, Sole, Horacio, Natália e mais dez músicos talentosíssimos (seis da trupe de Soledad, quatro convidados por Guarany) fizeram uma das maiores festas já vistas na capital argentina. Este disco, à propósito, é tão especial que conta com a direção de Cesar Isella – parceiro de Horacio nos anos 1960, homem responsável pela própria descoberta de Sole.

Chacareras, zambas, litoraleñas… “Juntos por única vez” é um regalo aos fãs do folclore autêntico. Descrevê-lo é difícil, pois são tantos temas importantes que priorizar um ou dois é incorrer no sacrilégio do esquecimento. Particularmente, gosto muito de Si se calla el cantor e do Bloque romântico, que reúne quatro canções de amor escritas por Guarany. Também acho divinas a Canción del adiós e Recital a la infância, esta última emotivamente interpretada por Horacio, depois de uma belíssima declamação em que o veterano poeta agradece ao carinho do público e à própria Soledad, por ter se lembrado dele, um artista em fim de carreira.

Ainda entre minhas prediletas, cito Puerto de Santa Cruz, cantada solo por Natália Pastorutti. Trata-se de uma das páginas mais lindas do cancioneiro popular argentino, uma música que me emociona profundamente a cada audição. Natália, que neste disco angaria todos os aplausos possíveis e imagináveis, participa também da faixa Jacinto Piedra.

“Sole y Horacio juntos por única vez” conquistou um disco de Platina (mais uma vez, vamos vendo como as vendas baixam com o passar dos anos, culpa da “crise fonográfica) e recebeu elogios altamente positivos da crítica. Curioso é que, tamanho o sucesso do duo Pastorutti-Guarany, o “juntos por única vez” que intitula o álbum terminou por não se concretizar, já que os cantores realizaram outros espetáculos na capital portenha, todos eles lotados.

Festival de Inverno é sucesso

2010-07-31T13:19:00.000-03:00

por Chico Cougo

Fotos: América Macanuda

Quando alguém lhe perguntar o que Porto Alegre tem de bom, não deixe de citar o Festival de Inverno, promovido pela Secretaria da Cultura do município. Em sua quinta edição, o evento já faz parte do calendário das grandes atrações locais e, neste ano, alcançou uma espécie de “maioridade”, recheado de grandes atrações para todos os gostos. O América Macanuda esteve em dois dos treze shows organizados pela SMC e conferiu, de perto, as atrações argentinas Soledad Villamil e Dolores Solá, duas figuras carimbadas deste blog.

Na segunda-feira, 26, Villamil cantou para o Bourbon Country lotado, mostrando que não é apenas excelente atriz. O dia da argentina começou cedo, com uma participação ao vivo no Jornal do Almoço da RBSTV, onde ela foi rapidamente entrevistada e cantou dois temas, Santa Rita e La canción y el poema. É uma pena que a apresentadora Rosane Marchetti, responsável pelo bate-papo com Soledad, tenha se preparado pouco, incorrendo em alguns erros banais, além de referendar o já célebre engano de encarar Villamil como uma atriz que resolveu arriscar-se na música – o que, definitivamente, não condiz com a verdade.

No palco do Bourbon, a protagonista de El secreto de sus ojos, apresentou quase todos os temas de seus dois discos e, de quebra, trouxe duas canções novas que deverão compor seu repertório a partir do próximo CD. Acompanhada por percussão, contrabaixo, bandoneón, violão e cello, a cantora mostrou desenvoltura, arriscando palavras em português, explicando expressões do lunfardo (a gíria portenha do tango) e esbanjando simpatia. No final, uma longa fila aguardava para adquirir seus discos.

No dia 28, quarta, o tango voltou à cena no Festival de Inverno, desta vez no simpático e intimista teatro do CIEE. No tablado, Diego Rolón, Rodrigo Guerra (guitarras), Martin Pavlovsky (piano) e a atração da noite, Dolores Solá. Apresentando seu primeiro disco solo, “Salto Mortal”, Lola contou ainda com a participação de dois figurões locais: Hique Gomez e Arthur de Faria. Com muito bom humor, os músicos executaram o “repertório esquecido” de três dos maiores intérpretes do tango antigo, Agustin Magaldi, Carlos Gardel e Ignácio Corsini. A cada canção, muita interação com a platéia, dando um toque de descontração ao show.

Para além das duas revelações da música argentina, o Festival de Inverno 2010 contou, ainda, com os shows de Jorge Drexler (sucesso em dose dupla, nos dias 24 e 25) e Kevin Johansen. Nas atrações locais, Gelson Oliveira, Identidade, Volantes, Bluegrass, Paulinho Fagundes, Fausto Prado, Caetano Silveira, Cidade Baixa, Quartcheto, Felipe Catto e Juliano Barreto, todos a preços populares e em locais com ótima estrutura, uma prova de que o evento tem sido encarado com muita seriedade e competência pela Prefeitura Municipal de Porto Alegre.

Esperamos que assim siga. E que em 2011, novas e boas atrações façam desta capital mais um ponto macanudo do mapa-múndi.

Para acompanhar maiores detalhes sobre os shows do 5º Festival de Inverno, visite o site oficial do evento.

Solemania: Libre (Sony Music, 2001)

2010-07-23T00:03:00.000-03:00

por Chico Cougo

Fotos: Sony Music

Em 2001, Soledad Pastorutti já era uma cantora de sólida carreira em quase toda a América hispânica. Seus cinco discos haviam alcançado cifras de vendagem impensáveis, “La edad del sol” (primeiro e único filme que rodou) levara cerca de 1 milhão de espectadores aos cinemas e, a cada novo espetáculo, os recordes de público aumentavam.

Tamanho sucesso acabaria se refletindo cada vez mais nos discos lançados a partir do século XXI. Para a Sony Music, Soledad sempre foi um produto de lucro fácil e imediato. Para a cantora, no entanto, havia outros fatores a considerar. Crescia nela a vontade de mostrar ao mundo que seu talento não se resumia apenas ao folclore pátrio.

Assim, depois do folcloríssimo “Soledad”, em 2001, Sole grava “Libre”, sua nova tentativa de adentrar no mundo pop. Diferente de “Yo si quiero a mi país”, o sexto álbum da santafesina ganhou uma atenção redobrada por parte da Sony; não fugiu por completo da música típica do noroeste hermano e foi produzido inteiramente na Argentina. Entre agosto e setembro de 2001, os estúdios El Pieentre (Buenos Aires) receberam a trupe de Pastorutti, desta vez dirigida por Alejandro Lerner e Fernando Isella – de volta, depois de um curto hiato.

“Libre” tem um enfoque pop na maioria das faixas, mas ainda carrega traços do folclore. Com Chacarera de un triste (Simon Hermanos), Canción del jangadero (Jorge Mendéz) e Padre del Carnaval (Horacio Guarany e Cesar Isella), por exemplo, fica marcada a presença da música que consagrou Soledad. No entanto, neste disco, estas versões optam por uma estética mais intimista, com menos guitarras e mais arranjos à base de piano e percussão.

Na maior parte do álbum, prevalecem as baladas pop. Com Obsesión (Pedro Gimenez), o ouvinte nota uma Soledad bem diferente de quase tudo o que fora gravado antes. Já com os grandes sucessos do disco – El tren del cielo, Libre e Todos juntos – a musicalidade já testada (e aprovada!) em El bahiano (em “Yo si quiero a mi país”) volta com tudo, alavancando as vendagens e execuções no rádio.

“Libre” conta com a participação – onipresente, a propósito – de Natália, cada vez mais madura e pronta para alçar vôos solo. Também traz, na música-título, a participação de uma voz masculina, a de Alejandro Lerner, cantando em dueto. É um bom disco, indiscutivelmente, mas está longe de ser o meu predileto. Tem músicas boas, mas – por questões de gosto – sempre tendo a preferir a Soledad folclórica. Como minha opinião é apenas isso mesmo, a minha opinião, o povão tem todo o direito de discordar. Aliás, já discordaram: “Libre”, à época, vendeu tanto que angariou 5 discos de Platina e foi reeditado (com pompas de produção internacional) em 2002, chegando a ser vendido aqui no Brasil, inclusive.

Enfim, outro retumbante sucesso na carreira de Soledad. E uma pequenina pausa no seu intermitente diálogo com o meio folclórico. Sim, pequenina. No ano seguinte, a maior cantora da Argentina já estaria revoleando seu poncho em pleno Luna Park e ao lado de uma das mais legendárias figuras da música gaúcha argentina. Assunto para outro post!

Solemania: Soledad (Sony Music, 2000)

2010-07-16T20:20:00.000-03:00

por Chico Cougo

Fotos: Sony Music

Soledad Pastorutti precisou ir a Miami, gravar um disco pop e despertar olhares de desconfiança da “velha guarda” do folclore argentino, para perceber que seu habitat natural era muito mais o noroeste gaúcho de seu país (onde nasceu), do que a Latino-América dançante e paradisíaca vendida pelos americanos em revistas de turismo.

Depois de “Yo si quiero a mi país” (1999), o furacão confinou-se nos estúdios El Pie, de Buenos Aires. Ali, novamente com os principais músicos que lhe acompanharam no início (Arauca, Calcaterra, López), agora somados ao talento do baixista Pablo Santos e do diretor Gerardo Gardelín, a trupe gravou “Soledad”, o álbum que marca o regresso definitivo da cantora à arte de inspiração folclórica.

É interessante analisar a carreira desta santafesina através de seus CDs. Como já mostrei nos últimos dias, seus primeiros três álbuns foram dotados de uma originalidade tão grande, que a precariedade das gravações passa despercebida a qualquer ouvinte. No quarto trabalho, “Yo si quiero a mi país”, é exatamente este viés “amador” que se combate, mas algo dá errado e o disco acaba destoando dos demais. Com “Soledad”, em 2000, finalmente unem-se qualidade musical elevada e seleção de temas certos.

Do ponto de vista das vendas, a quinta obra de Sole foi um sucesso tão grande quanto todos os outros. Premiado com dois discos de Platina, só não vendeu mais porque os anos 2000 começam com uma grande decadência no mercado fonográfico (visivelmente atingido pelas transformações proporcionadas pela informática – aquele processo que a indústria chama de “pirataria”). Mesmo assim, este disco é um êxito estrondoso e sua “estética” ajuda a entender o porquê.

Primeiro: depois de não ter logrado o resultado esperado no mercado “internacional”, Sony Music e Soledad decidem investir com força no comércio interno argentino. “Soledad” é, por isso, um álbum folclórico em praticamente tudo; até na capa – simples, mas sugestiva, já que Soledad aparece em frente a uma paisagem de Arequito, como que simbolizando sua “volta ao pago”. No repertório, o disco também chama atenção. São treze faixas, sendo três temas típicos peruanos, um chileno e todos os demais argentinos. No time de autores, alguns nomes consagradíssimos: o sempre presente Horacio Guarany (Carta a un amigo, parceria com Albérico Mansilla), o clássico José Larralde (Garza viajera) e Chango Rodriguez (De mi madre e Luna cautiva), entre outros. Da pena da própria Soledad, consta De mi pueblo (em parceria com Palito Ortega).

Em “Soledad”, Natália Pastorutti participa em duas faixas, De mi madre e Chacarera del cardenal. Nesta última, aliás, há um registro importantíssimo da voz de Sixto Palavecido, que atua como “violino convidado”, numa nítida estratégia de consolidar a intenção folclórica do disco. Sobre a participação de Nati, vale lembrar que neste álbum a irmã mais nova de Soledad começa a definir mais claramente seu talento como cantora, ganhando um destaque crescente que, mais tarde, redundará em seu primeiro CD solo.

Não posso encerrar este texto sem falar daquela que, sem dúvidas, é uma das principais faixas de “Soledad”. Até porque, honestamente, é até meio difícil acreditar que os produtores da Sony tivessem certeza sobre o sucesso absurdo que uma “ultrapassada” valsa peruana dos anos 50 poderia fazer em pleno ano 2000. Estou falando, claro, de Propriedad privada (Julio Jaramillo), talvez o maior êxito do repertório de Soledad depois de Que nadie sepa mi sufrir. Certamente, só Propriedad… já asseguraria a vendagem do álbum.

Pessoalmente, tenho um grande apreço por este CD do “furacão de Arequito”. Foi através da faixa 11, Cuando llora mi guitarra (Agusto Campos), outra valsa peruana, que conheci a cantora, numa gris tarde de novembro de 2008. Acho que, por isso, este é meu álbum predileto de La Sole. Para mim, tem um gostinho diferente, bonito, puro. Sentimento bastante diferente do que sinto por “Libre”, o próximo disco a ser analisado por aqui.

Solemania: Yo si quiero a mi país (Sony Music, 1999)

2010-07-11T21:59:00.000-03:00

por Chico Cougo

Fotos: Sony Music

Durante três anos consecutivos, Soledad Pastorutti manteve-se no topo da parada de sucessos argentina, angariou milhares de fãs e colecionou prêmios diversos. Entre 1996 e 1998, ela foi a artista número um da filial hermana de Sony Music. Empolgados pelo “fenômeno La Sole”, os executivos da companhia acharam que já era hora de Pastorutti deixar para trás a simplicidade dos estúdios portenhos para alçar vôos mais altos. E assim nasceu “Yo si quiero a mi país”, seu quarto CD.

Foi um passo ousado. Um salto, na verdade. Com “Yo si quiero a mi país”, a intenção era explícita: transportar o sucesso que havia conquistado a Argentina, para o resto da América. Soledad – que já obtivera algum êxito na Espanha (onde teve seu segundo disco, “La Sole”, editado) -, viajou para o principal centro de produção da música latina, Miami. Lá, ela foi assessorada pelo conhecidíssimo Emilio Estefan Jr (através da Estefan Enterprises Inc, responsável, entre outros artistas, por Gloria Estefan). Emilio dirigiu e produziu o novo disco de Sole. Fernando Isella, responsável direto pelos primeiros três álbuns da cantora fica para trás nesta história. Ele e uma parcela do caráter “puramente folclórico” da carreira do “furacão de Arequito”.

“Yo si quiero a mi país” transformou Soledad numa das principais artistas latino-americanas. Inegavelmente, o disco lhe deu prestígio num mercado difícil. Comercialmente, o trabalho também saiu exitoso, angariando três discos de Platina na Argentina. Contudo, apesar dos benefícios, o quarto álbum de Soledad acendeu uma luz amarela em sua carreira: dada a brusca mudança de estilo e sonoridade, parte do público cativo da cantora parece ter sido surpreendida pelo resultado final da obra. Muitos não gostaram do que ouviram e os intentos de sucesso internacional acabaram não se concretizando. “Yo si quiero…” mostrava, nitidamente, que o time com que Sole havia jogado até então era vencedor. E que não deveria ser mexido.

Mesmo assim, musicalmente, este é o melhor álbum da cantora, se comparado aos anteriores. Momentaneamente abandonada a base de duas guitarras e um bombo, o instrumental do disco é riquíssimo, principalmente no que tange à percussão. Também, pudera: é neste disco que La Sole dá um chega pra lá nas marcantes chacareras e zambas para gravar ritmos mais universais latino-americanos, como o candombe (Popurri de candombes, com participação de Natália) e outros temas típicos da América Central.

Apesar disso, o folclore não fica de fora nesta produção, e El humahuaqueño é um bom exemplo do quanto os produtores da (agora) Sony International tentaram manter determinados traços característicos dos primeiros discos de Pastorutti. Traços que, aliás, acabam um tanto quanto sufocados pela enxurrada pop que varre a maioria das doze faixas do álbum.

Por falar em pop, eu diria que a maior herança deixada por “Yo si quiero a mi país” para a carreira de Soledad foi a presença de El bahiano (Angie Chirino), a história melodramática (e dançante) da jovem Lorena que, na praia de Ipanema (sim, no Rio de Janeiro), se encanta por um baiano pianista. É um amor proibido (o tal baiano é um miserável e a menina é filha de um rico empresário), e que leva Lorena a um estranho suicídio. Apesar de insólita (na minha opinião, pelo menos), El bahiano transformou-se num sucesso estrondoso, estando presente até hoje no repertório de Soledad e, por algum tempo, nas pistas de dança, já que a canção ganhou uma versão remix tempos atrás.

Resumidamente, eu diria que “Yo si quiero a mi país” é a obra-contradição na carreira de Soledad. Fez sucesso, deixou marcas, mas mostrou à cantora que seu público a preferia cantando folclore. Embora tenha buscado uma inspiração pop nos discos posteriores, a santafesina nunca mais deixaria de ter como foco a música de inspiração folclórica. Por isso, “Yo si quiero…” pode ser visto como o “erro benéfico” que todo artista de sucesso comete algum dia. Um erro que rendeu boas pérolas “lado B” para Sole, como Mi bien e a minha paixonite aguda Mi consejo (letra genial do pouco conhecido Roberto Blades).

Em 2000, a carreira de Sole volta aos trilhos. Depois da malfadada produção de Miami, a cantora responderá ao susto da mudança brusca à altura. Seu próximo disco, tema de nosso próximo post, terá o pago de Arequito nas faixas e até na capa.

Solemania: A mi gente (Sony Music, 1998)

2010-07-06T19:52:00.002-03:00

por Chico Cougo

Fotos: Sony Music

Bastaram dois discos de Diamante para que o “furacão de Arequito” varresse a Argentina de norte a sul. A carreira de Soledad Pastorutti – que começou meteórica e, como tal, parecia prestes a despencar na mesma intensidade – consolidou-se de forma impressionante nos dois anos posteriores ao seu debut, no Cosquín ‘96. O sucesso da menina abocanhou as rádios e TVs hermanas de tal forma, que sua estréia no mais famoso e consagrado palco do país – o teatro Gran Rex, da mítica calle Corrientes – tornou-se inevitável. Do encontro entre Sole e o palco nº 1 de Buenos Aires, brotou “A mi gente”, terceiro CD da santafesina.

“A mi gente” é o primeiro disco ao vivo de Soledad, e também o mais bem elaborado até então. Das 30 sessões que deu no Gran Rex, duas (as de 31 de agosto e 2 de setembro de 1998) foram utilizadas na montagem do CD. Diferente dos álbuns anteriores, neste La Sole canta um número maior de temas (17), mas segue investindo em ritmos consagrados, zambas e chacareras, principalmente. Puramente folclórico, “A mi gente” prossegue com o mesmo trio de músicos já conhecidos dos discos anteriores, mas agora o conjunto é incrementado por mais uma guitarra, tambores, percussão e até por um portenho bandoneón.

Como este álbum traz mais canções do que os outros, não vou falar de cada uma delas individualmente, como em posts anteriores. Melhor mesmo é fazer um apanhado das características mais “impressionantes” de “A mi gente”. A começar, claro, pelos autores envolvidos. E aí, quem conhece um pouco de folclore argentino sabe do poder de nomes como Horacio Guarany, Carlos Carabajal, Cesar Isella, Atahualpa Yupanqui e Facundo Saravia, todos eles presentes no palco do Gran Rex através da garganta de Sole.

Falando em garganta… Soledad e Fernando Isella (que dirigiu mais este CD do “furacão”) idealizaram um roteiro pra lá de interessante para os shows em Buenos Aires. Digo isso, porque entre os clássicos folclóricos da playlist, foi incluído um “intruso” portenho: Garganta con arena, tango de Chacho Castaña que, instantaneamente, tornou-se inerente aos shows de Soledad, tamanha sua capacidade em interpretar a canção. Aliás, junto com este tangaço, eu destacaria, ainda, Pa’el que se va, do célebre Alfredo Zitarrosa.

“A mi gente”, além da simbiose mais do que audível entre Soledad e o público bonaerense, marca dois batismos. O de Natália Pastorutti, que grava neste disco sua primeira canção solo (Sapo cancionero, de Jorge Hugo Chagra e Alejandro Flores) e o da própria Soledad, que registra sua primeira composição (Canten para papá, em parceria com Cesar Isella e numa homenagem a seu pai – canção autobiográfica).

O terceiro álbum de Soledad Pastorutti, de repertório e instrumental meticulosamente pensado, marca a virada de página definitiva na carreira da menina que, agora, se transformara num dos maiores cachês de seu país. O fato de um telefone de contato para shows vir estampado no encarte dos primeiros CDs da cantora – e que desaparece em “A mi gente” – marca o novo caráter de sua carreira, a imersão de La Sole no topo do show business nacional. Seu disco ao vivo é o primeiro dos muitos vôos altos em sua carreira de êxitos. Se nos anteriores, Soledad havia arrematado discos de Diamante por alta vendagem, com “A mi gente” as estantes de sua casa ganhariam nada menos do que cinco discos de Platina outorgados pela CAPIF. Estavam abertas as portas para que a Sony Music crescesse os olhos para o fenômeno que tinha sob contrato. Seu próximo disco será gravado nos Estados Unidos. E a menina seguirá “arequiteando querências”. História para o próximo post.

Solemania: La Sole (Sony Music, 1997)

2010-07-02T21:21:00.000-03:00

por Chico Cougo

Fotos: Sony Music

Depois de ter vendido 800 mil cópias e abocanhado o prêmio Diamante com “Poncho al viento”, em 1997 Soledad Pastorutti e Sony Music voltaram a investir no mercado fonográfico com força. Surpresos pelo sucesso do singelo primeiro CD da cantora, os executivos da Sony nem precisaram de grandes esforços para converter “La Sole” – segundo álbum do “furacão” – num sucesso ainda mais tremendo que “Poncho…”.

Aliás, 1997 foi um ano pródigo para Soledad Pastorutti. Carinhosamente apelidada pelos argentinos de La Sole (daí o título de seu segundo disco), um ano após ter sido revelada em Cosquín, a santafesina chegou a cantar em 181 povoados e cidades da Argentina, percorrendo do interior à capital no período de poucos meses. Concomitante à primeira gira nacional da cantora, “La Sole” subia repentinamente na parada de sucessos, chegando mesmo a fazer concorrência com o ainda exitoso “Poncho al viento”. Durante alguns meses, ambos CD’s dividiram a ponta da parada de sucessos, um feito inédito no mercado fonográfico argentino.

“La Sole” teve praticamente a mesma equipe de produção que atuou no primeiro disco de Pastorutti. No comando, Fernando Isella (filho do consagrado Cesar Isella, o homem que “descobriu” Soledad), que além de dirigir o álbum, também atuou nos pianos e teclados. Para o instrumental do disco, foram mantidos os guitarristas Jorge Calcaterra e Alberto Arauco ('Laucha' Calcaterra está até hoje na trupe da artista). O bombo ficou por conta de Silvio López. Todos gravaram nos estúdios El cono del silencio, Íon e Panda (Buenos Aires).

O repertório e a musicalidade de “La Sole” lembram, em muito, o que foi consagrado em “Poncho al viento”. São canções conhecidas, algumas delas colhidas em outros países, como Peru e Chile. Foram gravadas na mesma base instrumental do trabalho anterior e, por isso, parecem ter sido registradas na mesma ocasião. Ao repertório, então: consta a valsa Que nadie sepa mi sufrir (Angel Amato e Enrique Dizeo, faixa 1); as chacareras Del norte cordobes (Ica Novo, 4), Las Moras (Yuyo Montes, 2) e Si de cantar si trata (Facundo Saravia, 9); as zambas Ando por la huella (Argentino Luna, 3), Chilenito del Pucón (Cesar Isella, 6) e Achalay Tafi del Valle (Horacio Guarany,12) e Mano a mano (Mario Teruel e La Moro, 10); a litoraleña Enero (Romero Maciel-Cesar Miguens, 5); o chamamé Kilometro 11 (Tránsito Cocomarola, 7); a canção La carta perdida (Juan Raúl Ratti, 8); e o rasguido doble Punta Cayasta (Orlando Veracruz e Julio Migno, 12).

Três das doze faixas contam com participação especial de Natália Pastorutti, repetindo o sucesso já alcançado em “Poncho al viento”. Além disso, “La Sole” traz alguns dados importantes. Primeiro, foi nele que se registrou aquele que talvez seja o maior clássico de Soledad – Que nadie sepa mi sufrir. Além dele, também podemos incluir como “clássico”, Punta Cayasta, canção que foi aumentando em popularidade gradativamente nos últimos 12 anos. Não se pode esquecer, ainda, da primorosa gravação do conhecidíssimo Kilometro 11. Enfim, um discão. Tanto, que chegou a ganhar nova edição no ano seguinte, com uma faixa a mais, Los sueños de todo el mundo (Cesar Isella), tema da Argentina no Campeonato Mundial de Futebol da França.

Não à toa, “La Sole” ganhou o Diamante após vender cerca de um milhão de cópias e superar seu antecessor. Do topo das paradas de sucesso, Soledad sairia para o maior palco argentino, o Teatro Gran Rex, na legendária calle Corrientes. Definitivamente, a menina que se consagrara em Cosquín, conhecia as glórias da principal cidade rioplatense. “A mi gente”, seu terceiro álbum mostrará a primeira grande transição de sua vida profissional. Mas isso é assunto para outro post.

Festival de Inverno promete edição histórica

2010-07-01T21:51:00.000-03:00

por Chico Cougo

Foto: Multimagem

Como já foi divulgado aqui no América Macanuda, o 5º Festival de Inverno de Porto Alegre está chegando. Nesta semana, a Secretaria Municipal da Cultura divulgou a programação do evento. Além da anunciada presença de Soledad Villamil (confira aqui um resumo sobre o show), no dia 26 de julho, outras grandes atrações prometem surpreender o público. Os destaques, claro, ficam para a “música macanuda”.

Nos dia 24 e 25, o Festival abre com a presença do uruguaio Jorge Drexler, consagrado cantor e compositor que já possui onze discos em sua trajetória artística. Drexler se apresenta no Teatro do Bourbon Country, mesmo palco em que Soledad Villamil desfilará seu intenso e fabuloso repertório, na noite do dia 26.

No dia 30 de julho, no Teatro Renascença, é a vez do Quartchêto dar as caras no Festival. O grupo tem uma interessante proposta que mescla nativismo gaúcho com jazz, misturando vários ritmos em construções instrumentais criativas e surpreendentes. O Quartchêto, composto por Hilton Vaccari (violão), Júlio Rizzo (trombone), Luciano Maia (acordeon) e Ricardo Arenhaldt (percussão), é um dos maiores vencedores das últimas edições prêmio Açorianos.

O 1º de agosto tem outra atração local de indiscutível qualidade. Trata-se do show do guitarrista Paulinho Fagundes, no Teatro de Câmara. Paulinho busca se diferenciar na interpretação de um repertório universal, com ênfase na música de inspiração folclórica sul-americana e também no jazz.

Para os amantes do tango, o destaque do 5º Festival de Inverno é a presença da argentina Dolores Solá, dia 28/7, no Teatro do CIEE. 'Lola' Solá é vocalista do grupo La Chicana, um dos maiores destaques da nova geração do tango portenho. No show em Porto Alegre, ela deve apresentar, principalmente, os destaques de seu primeiro disco solista, o “Salto Mortal”, sobre o qual já falei, aqui no América Macanuda.

Os ingressos do Festival de Inverno 2010 custam de 10 a 30 reais. Para obter maiores informações sobre como adquiri-los e também para saber mais detalhes destes e de outros shows, uma boa dica é acessar o site oficial do evento.

Solemania: Poncho al viento (Sony/BMG, 1996)

2010-06-29T20:22:00.001-03:00

por Chico Cougo

Fotos: Sony/BMG

O que esperar de um disco gravado em cerca de 8 horas, por uma cantora-mirim saída do interior argentino, com o simplíssimo acompanhamento de apenas dois violões (guitarras, para os argentinos) e um bombo? Fracasso seria a resposta mais coerente, se o disco não fosse “Poncho al viento” e se a cantora não fosse Soledad Pastorutti.

Os ventos do “furacão de Arequito” recém começavam a soprar pela Argentina. Com apenas 15 anos, Soledad (acompanhada por sua irmã Natália) fora congratulada com o “Cosquín de Oro”, na edição de 1996 do maior festival folclórico da América do Sul. Do palco onde cantou quatro músicas (pela programação cantaria duas, mas o público exigiu mais um par), a menina de roupas simples, cabelos maltratados e sardas no rosto, saiu direto para o estúdio El Cono Del Silencio, em Buenos Aires. Com direção de Fernando Primero e masterização de Edgardo Suarez, em pouco tempo o CD “Poncho al viento” ficou pronto. Na distribuição, uma receosa Sony dava restrita divulgação ao álbum.

Só que algo aconteceu...

Inexplicavelmente, depois de um breve período de vendas regulares, “Poncho al viento” começou a subir nos rankings de comercialização. Em pouco tempo, o disco superou a marca dos 800 mil exemplares vendidos, um recorde na discografia argentina, até então. “Poncho…”, talvez o mais pobre trabalho fonográfico a fazer tanto sucesso, permaneceria por um ano e meio entre os dez discos mais vendidos da Argentina e arremataria um inacreditável disco de Diamante, outorgado pela CAPIF (espécie de associação dos produtores fonográficos daquele país).

O que fez de “Poncho al viento” um sucesso tão vasto é uma questão dificílima de ser respondida. Soledad ainda não era conhecida; o disco foi feito às pressas, no embalo da apresentação da cantora em Cosquín; o trabalho em cima do álbum foi fraquíssimo (só a capa, esteticamente pouco “inspirada”, já mostra isso). Porém, a menina de Santa Fé estava fadada ao êxito. Em parte pela empatia imediata que criou com o público, tão logo deu as caras nos escenarios e na TV. Depois, pelo que resolveu cantar. E aí é preciso ouvir seu disco-debute com atenção.

“Poncho al viento” tem uma musicalidade linear, dada a mísera quantidade de instrumentos no acompanhamento (gravaram com Sole apenas os três músicos que já a acompanhavam em shows). O repertório, porém, é forte, composto quase que só por clássicos e obras de compositores consagrados. Nos 35 minutos e 33 segundos de música, estão as zambas Salteñita de los valles (Horacio Guarany, faixa 1), El duende del bandoneón (Pedro Favini e Oscar Mazzanti, 4) e Rosário de Santa Fe (Agustín Irusta e Manuel Gárcia Ferrari, 7); as chacareras Entre a mi pago sin golpear (Carlos Carabajal e Pablo Trullenque, 2) e A Don Ata (Mario Alvarez Quiroga, 8); os chamamés Por las costas entrerrianas (Horacio Guarany, 3), A mi Corrientes Porá (Luis Bayardo, 10) e Puerto Tirol (Marcoz Ramírez e Heráclito Pérez, 11); as valsas Alma, corazón y vida (Adrian Flores, 6) e A Gualeguaychú (Humberto Echazarreta e Vicente Saitta, 9), a milonga Pilchas gauchas (Orlando Veracruz, 3); e a Canción de las simples cosas (César Isella e Armando Tejada Gómez, 12).

Todas regravações, nada inédito. Aliás, um repertório conhecidíssimo, boa parte já gravado à exaustão desde os anos 1960-70. Apesar disso (ou talvez por isso…), muito bem adequado à voz de Soledad Pastorutti. Das doze canções, quatro contaram com a participação de Natália, sendo que Alma, corazón y vida (um clássico bolero latino-americano dos anos 50, transformado em valsa) tornou-se, nos meses seguintes ao lançamento do disco, a grande composição cantada em duo pelas hermanas Pastorutti. A propósito, deste CD, pelo menos cinco composições permanecem, com certa regularidade, na playlist dos shows de Soledad ainda hoje. São elas: Salteñita de los valles, Entre a mi pago sin golpear, Pilchas gauchas, Alma, corazón y vida e A Don Ata. Esta última, diga-se de passagem, ficou conhecidíssima por sua introdução (um conjunto de acordes-solo em guitarra, com destaque para o esmero do genial Jorge ‘Laucha’ Calcaterra), um prefixo que sinaliza o encerramento dos shows do “furacão” atualmente.

“Poncho al viento” é um daqueles fenômenos fonográficos inexplicáveis. Falar dele é sempre difícil e nos leva muito mais a louvá-lo por seu repertório e por ter aberto as portas para que o mundo conhecesse Soledad Pastorutti, do que qualquer outra coisa. Depois dele, os discos da santafesina evoluiriam à passos largos no quesito qualidade. O próximo seria o passo definitivo na carreira de uma estrela consagrada; é quando Sole deixa de ser um mero acontecimento de festival, para tomar conta do maior palco portenho, na calle Corrientes.

Solemania

2010-06-29T19:47:00.002-03:00

Foto: Huracán de Arequito

A pouco menos de sessenta dias do show de Soledad Pastorutti em Porto Alegre, o América Macanuda traz uma novidade: a partir de hoje, faremos uma viagem pela carreira da santafesina de Arequito através das suas produções mais conhecidas, os seus discos e DVDs. Nesta trilha, animada por zambas e chacareras, vamos percorrer a história do huracán desde seus primórdios. A maior parte dos textos desta série já foi publicada no blog Memórias do Chico, mas todos eles passaram por ajustes, mudanças e acréscimos, sendo, de certa forma, inéditos.

Para quem não ainda conhece La Sole, aí está a chance. Desfrutem!

América Macanuda entrevista Shana Müller

2010-06-19T14:29:00.000-03:00

por Chico Cougo

(Arquivo América Macanuda)

Ela é jornalista, intérprete de sucesso e, agora, dona do selo fonográfico GM/2 Música. Guarda irrestrita admiração pelos artistas platinos, especialmente por “La Negra” Mercedes Sosa, com quem teve a oportunidade de dividir palcos. Começou muito jovem e, aos 12 anos, participou de sua primeira gravação, ao lado de Wilson Paim. De palco em palco, Shana Müller é uma das maiores revelações da música gaúcha na última década: conquistou o respeito do exigente público festivaleiro, conseguiu espaço na mídia e, com passos firmes, quer ser do mundo.

A cantora, que está lançando seu terceiro disco, “Brinco de princesa”, concedeu entrevista ao América Macanuda, onde falou de seu passado, seus projetos e dos desafios para o presente e futuro. Acompanhe:

AMÉRICA MACANUDA: Apesar de jovem, você já ostenta uma carreira relativamente longa, sendo, inclusive, considerada uma das grandes revelações da música regional gaúcha na última década. Como teve início sua trajetória artística?

SHANA MÜLLER: Minha trajetória iniciou por um desafio. Eu morava em Alegrete e resolvi entrar no grupo de danças do CTG Farroupilha, onde meu pai era sócio. Aí foi um encantamento com a cultura e com todas as atividades que envolviam aquele grupo social. Resolvi que queria ser primeira prenda e, para tanto, deveria desenvolver alguns “dotes artísticos”. Foi assim que comecei a fazer aula de violão com meu professor, Vicente Guglielmi, quem me encorajou a subir ao palco pela primeira vez. Logo o violão foi deixado de lado e me dediquei a cantar. Dai viram as participações em concursos infantis em festivais e rodeios, a gravação de Vitória-Régia com Wilson Paim e a certeza de que a musica faria parte de minha vida de alguma maneira.

AM: Você tem sido bastante identificada aos festivais de música nativista, dos quais participa ativamente. Qual a importância destes certames em sua carreira e até que ponto você os considera eficazes para a divulgação de seu trabalho?

SM: Eu tive uma história um pouco diferente da maioria dos cantores de festivais. Geralmente o festival é o primeiro passo para o artista, músico, intérprete ou compositor que quer mostrar seu trabalho. Eu recém tinha me formado em jornalismo e encerrado minhas participações como cantora de grupos de danças dos CTG’s. Como cantora “adulta” tinha participado do projeto “Palco do Rio Grande” à convite de Luiz Carlos Borges, onde reinterpretamos o Conjunto Farroupilha e os Gaudérios em um lindo show, no Teatro do SESI, aqui em Porto Alegre. Mas a maioria dos compositores não tinha ouvido nenhuma interpretação minha que não fosse a gravação infantil de Vitória-Régia [Shana Müller contava apenas 12 anos de idade na ocasião]. Aí me convidaram para fazer um show em Piratini, na Semana Farroupilha. Na época, chamei o musico Márcio Rosado para me ajudar a montar o repertório e ele acabou me incentivando a gravar. Assim, gravei meu primeiro CD, “Gaúcha”, em 2004. E a partir daí minha participação nos festivais começou a ser mais efetiva. Antes disso, tinha participado apenas de um. E acredito que hoje existem muitas maneiras de mostrar o trabalho, de começar. O festival é apenas um meio e não tem mais o mesmo impacto que antigamente; o que não é demérito nenhum. O mercado mudou. A forma de consumo da musica também. O festival continua sendo um palco importante e fundamental na divulgação do trabalho dos artistas gaúchos no mercado da musica do sul.

AM: Em “Gaúcha” (2004, USA) e “Firmando o passo” (2006, USA) você investiu em um repertório diversificado, mas bastante vinculado à produção musical nativista. Tem pretensões de diversificar ainda mais os gêneros musicais de seus próximos discos? Há uma preocupação em superar o repertório meramente nativo, investindo em outros tipos de temas?

SM: Acredito que não. Acho que meus três discos acabaram sendo um a continuação do outro. Digo isso em relação a meu sentimento como cantora, minhas ânsias e até mesmo o meu amadurecimento como música e como artista. A gente evolui, percebe outras coisas, outros sons; recebe outras influências. Contudo meu trabalho é vinculado completamente a musica regional gaúcha. Esse é e seguirá sendo o estilo musical a que me dedico pelo simples fato de que esta é a musica que me emociona. E se não me toca, não consigo interpretar. Sou uma cantora muito mais emocional que técnica. E acredito que isso é fundamental para chegar às pessoas. Afinal, quando nos dispomos a ser artistas, seja de que área for, temos um objetivo: transmitir algo; seja através da voz, da pintura, da interpretação. E temos que descobrir de que maneira queremos e podemos fazer isso. A minha maneira é falando do meu lugar, do sentimento do meu povo. Não me rotulo uma cantora nativista, tradicionalista, enfim. Sou uma cantora regional gaúcha, em toda a amplitude deste universo que é o sul do mundo. E assim pretendo seguir. Sem deturpar nada, mas enxergando o mundo na realidade de hoje e a musica como parte disso.

AM: Através de cantoras como Soledad Pastorutti, a música de inspiração folclórica da Argentina ganhou um novo fôlego na última década, alcançando ampla popularidade e prestígio, inclusive no mercado fonográfico. Você acha que este processo repercutiu ou pode repercutir no Rio Grande do Sul? Seu trabalho inspira-se, de alguma forma, no movimento do novo folclore argentino?

SM: Acho que a música argentina nunca perdeu seu prestígio. Sempre existiram movimentos que “renovaram” a produção artística deles e permitiram estar sempre chegando ao povo. A Argentina é um país. Nós trabalhamos com a cultura de uma região, de um país imenso e diverso. Acho que são universos diferentes e, por isso mesmo, devemos buscar a nossa maneira e o nosso caminho. Temos muito mais vantagens que desvantagens em estarmos nesse ponto de passagem de tantas influências musicais e de fazermos parte de capítulos distintos da história do nosso país, o que nos torna gaúchos, mas muito brasileiros. Nós temos o sotaque da América Latina e o suingue e a harmonia da arte brasileira. Pra quê querer mais? Temos que usar isso a nosso favor. Meu trabalho acaba sempre sendo inspirado de alguma maneira em artistas que aprecio e admiro. É o caso de cantoras nem tão conhecidas na grande mídia argentina, mas de talento enorme, como Laura Albarracín e Luna Monti. Elas fazem parte deste novo movimento da Argentina no que se refere à renovação musical do folclore.

AM: Em 2008, você dividiu palco com Mercedes Sosa, o maior ícone da canção popular latino-americana. Conte-nos como foi essa experiência.

SM: Inesquecível e inexplicável. Foi como se estivéssemos apenas nós duas, e não as 5 ou 6 mil pessoas que lotavam o ginásio da Fenarroz, em Cachoeira do Sul, quando cantei com ela pela primeira vez. Foi mágico, primeiro por estar ao seu lado, e, segundo, por ouvir minha voz junto à dela. Acho que não vou viver momento tão importante em minha vida, até porque Mercedes sempre foi e sempre será meu grande ídolo! Por isso, dediquei a ela meu novo CD e gravei o chamamé Ñangapiri, de Tarrago Ros, que foi a musica que cantei com ela em Cachoeira e depois, também, em Porto Alegre, em sua última apresentação na capital gaúcha.

(Arquivo pessoal da cantora)

AM: Além da carreira solo, você participa do premiado projeto Buenas e M’espalho, com Érlon Péricles, Cristiano Quevedo e Ângelo Franco. Como surgiu essa idéia?

SM: O Érlon e o Cristiano vieram morar em Porto Alegre em 2007; e o Érlon acabou auxiliando um bar a fazer uma programação regional. Me chamou para cantar em um dos dias. Logo o projeto se extinguiu nesse lugar e nós seguimos nos reunindo. Já éramos parceiros de música (eu já havia gravado músicas do Érlon e do Ângelo, que é até meu compadre). Estreitamos ainda mais nossa amizade. Foi na volta de uma Barranca, aquele festival aonde só vão homens [risos], que os guris chegaram com a novidade de que o Renato Mendonça, da Zero Hora, viria na Casa Dez (uma espécie de república onde moravam o Érlon, Cristiano, Paulinho Goulart, Felipe Álvares, Marcelinho Freitas – todos artistas) fazer uma matéria sobre os músicos interioranos que vinham para capital tentar a sorte. Me chamaram para participar. Aí contamos cada um sua história. Mendonça chamou a matéria de “Buenas e M’espalho” e nós nos demos conta de que tínhamos tarefas a cumprir como, de alguma maneira, reforçar a música regional na capital. Projetamos uma festa gaúcha, num bar que não tocava música desse estilo e foi um sucesso. Depois daí, outras festas, shows no interior, o CD, seis indicações ao prêmio Açorianos de música e duas vitórias: melhor disco regional e melhor instrumentista, para o Felipe Álvares. Até hoje a gente segue fazendo shows, como um projeto paralelo às carreiras individuais de cada um. E é sempre um encontro de alegria pra todos nós e que pretendemos que siga por bastante tempo, inclusive, trazendo outros cantores.

AM: Como é ser uma mulher num meio tradicionalmente dominado por intérpretes masculinos, como a música do Rio Grande do Sul? Quais as grandes dificuldades e os maiores desafios em relação a isso?

SM: Para mim sempre foi muito tranqüilo. Talvez porque eu tenha três irmãos homens, nunca me incomodei em conviver com mais homens do que com mulheres e minha relação sempre foi de muito respeito. Por essa mesma razão, nunca me senti excluída ou prejudicada por ser mulher. Pelo contrario. Acho que em alguns momentos tenho até vantagens. Essa questão do machismo, para mim, já está um pouco ultrapassada. Talvez as mulheres, em muitos casos, sejam mais machistas que os homens. Sempre tive meu espaço, sempre cantei os temas que quis, portanto, sempre tive uma relação tranqüila com o fato de ser mulher em um meio em sua maior parte masculino.

AM: Historicamente, o número de mulheres artistas na música gaúcha foi sempre escasso. Apesar disso, nomes como Mary Terezinha e Berenice Azambuja alcançaram um êxito muito grande, figurando nas paradas de sucesso e mantendo contrato com grandes gravadoras. Você vê alguma continuidade entre o passado das artistas regionais e sua trajetória? Qual?

SM: Acho que as mulheres e os homens artistas que “dão certo” são resultado principalmente de seu esforço e de seu trabalho. Claro que tem aquela história da “estrela” de cada um. Eu tenho a minha e todo dia trabalho por ela, seja me aperfeiçoando como cantora, seja trabalhando em meu escritório e projetando meus objetivos. Acredito no sucesso oriundo do trabalho, da competência e da responsabilidade. Esse é o caminho que busco para firmar minha carreira e deve ter sido o delas para chegar aonde chegaram.

AM: Em 2005, o jornal Diário Gaúcho reportou sua admiração pelo repertório de Teixeirinha, o maior sucesso da fonografia gaúcha. Ainda hoje existe um grande hiato entre os artistas regionais e a produção musical dos anos 1960-1970, sucesso nas vozes de Teixeirinha, Gildo de Freitas, José Mendes etc. Como você acha que este hiato poderia ser minimizado? Você pensa em, futuramente, trabalhar essa questão?

SM: Para mim a musica é uma manifestação artística que resulta do dia-a-dia de quem a faz. A realidade do mundo de hoje é muito diferente dos temas destes grandes artistas, o que não desvaloriza em nada o que foi feito por eles. Sou grande admiradora do trabalho de todos estes que citastes, mas acredito que cada artista deva buscar sua manifestação mais autentica e, só assim, conseguirá um espaço, criando seu público, despertando nas pessoas a vontade de ouvir o que tem a dizer. E isso, para mim, só se consegue de uma maneira longínqua, sendo diferente do que foi feito, sendo autêntico, sendo único. Teixeirinha, Gildo, Mendes foram únicos. Não que não possam ser relidos. Mas se o forem, devem ser de uma maneira muito criativa e distinta. Quem sabe?!

(Arquivo pessoal da cantora)

AM: Você está lançando um novo disco. O que seus fãs podem esperar desta nova produção? O que muda na Shana Müller deste CD em relação a dos anteriores?

SM: Me sinto mais madura e acredito que deva ser sempre assim. No decorrer dos anos, amadurecendo como artista, como cantora e como mulher, o trabalho de certa maneira vai acompanhando esse processo. “Brinco de Princesa” é o resultado desses três anos de meu amadurecimento. Busquei fazer um disco com requinte de arranjos, com bons músicos. Dei o melhor de mim. E sempre espero que os próximos sejam melhores. Assim deve ser. Quem ouvir este novo disco irá conhecer um pouco mais das informações musicais e de vida que trago comigo. Não há mudanças. Há um processo de evolução, acredito eu, comum a todos os artistas, a partir de suas vivências e experiências. Tenho o desejo de sempre fazer um disco distinto do outro. Esse é diferente dos outros dois e até mesmo do disco com o Buenas e M’espalho.

AM: Qual recado final você deixa aos leitores do América Macanuda?

SM: É um recado geral, aos amantes da cultura regional e àqueles que estiverem dando uma passadinha: conheçam mais da cultura regional gaúcha. Vocês podem se encantar. E contem a um ou dois amigos do que gostarem. Assim, quem sabe, a informação sobre as belas manifestações artísticas que temos aqui no Estado possam chegar à um numero maior de pessoas.

Soledad em dose dupla

2010-06-16T21:14:00.002-03:00

por Chico Cougo

Depois de alguns meses sem atividades, o América Macanuda está de volta. E, aos poucos, vamos entrando num ritmo honesto de atualizações sobre o mundo da música platina. A começar por dois eventos macanudos que devem protagonizar a cena musical de Porto Alegre nos próximos meses.

O primeiro ainda não tem data marcada, mas vai acontecer entre 24 e 31 de julho, semana do já tradicional Festival de Inverno de Porto Alegre. Estou falando do show de Soledad Villamil, atriz e cantora argentina, em cujo currículo constam dois discos solo (“Canta”, de 2007, e “Morir de amor”, de 2009) e uma participação no álbum “Glórias porteñas” (1999). Villamil vem a Porto Alegre como atração principal do Festival de Inverno, justamente depois que seu último filme, O segredo dos seus olhos, venceu o Oscar de melhor película estrangeira. No repertório da elegante cantora, clássicos de Gardel, Zitarrosa, Yupanqui e Canaro.

Abaixo, um de seus grandes sucessos: Baldosa floja, do CD “Canta”.

Em agosto, o destaque musical de Porto Alegre segue nas mãos de outra Soledad, igualmente argentina. No dia 28, o huracán de Arequito, Soledad Pastorutti, chega ao Brasil para mais um esperado recital. La Sole volta ao país menos de um ano após sua última apresentação, em outubro de 2009, no município de Bagé. A santafesina, que acaba de dar à luz a sua primeira filha, promete agitar a Festa Recuerdos, evento que integra o calendário da Expointer. O show acontecerá na Casa do Gaúcho, que fica no Parque Maurício Sirotsky Sobrinho (Estância da Harmonia), no Centro da capital. Os ingressos já estão à venda nas cidades que recebem as etapas classificatórias do prêmio Freio de Ouro. Em Porto Alegre, as entradas podem ser adquiridas na loja Coza Gaúcha. Os 500 primeiros passaportes para assistir ao huracán de Arequito custam 40 reais.

Para quem ainda não conhece Sole Pastorutti, um de seus últimos sucessos: Trasnochados espinales.

Portanto, dois shows imperdíveis e que este blog acompanhará. Aproveitem!

América Macanuda entrevista João de Almeida Neto

2010-03-23T20:51:00.002-03:00

por Chico Cougo [@chicocougo]

Arquivo pessoal do cantor

Há trinta anos um vozeirão de respeito vem conquistando os principais festivais de música do Rio Grande do Sul. Ele já arrebatou Coxilhas, Tertulias e Califórnias da Canção Nativa. Canta milongas, xotes, vaneiras, tangos e até samba-canção. Fora dos palcos festivaleiros, também é um sucesso. Com oito discos e um DVD no currículo, o advogado, compositor e cantor João de Almeida Neto, dono da “Voz do Rio Grande”, é um dos maiores ícones da música regionalista gaúcha atual. Apaixonado por Carnaval e futebol, seu vasto repertório inclui temas políticos, românticos, humorísticos e até clássicos de Gildo de Freitas. O artista, que mantém em sua agenda quatro tipos diferentes de shows (incluindo “Gaúcho também chora”, onde interpreta clássicos do tipo “dor-de-cotovelo”), aceitou ser o primeiro entrevistado do América Macanuda e revelou detalhes de sua vitoriosa carreira. Objetivo e ferrenho defensor da cultura nacional, o cantor contou, ainda, que planeja lançar um CD e um DVD em breve. Confira:

América Macanuda: Conte-nos um pouco sobre o início de sua carreira profissional como cantor e compositor.

João de Almeida Neto: Comecei no início da década de 80, como músico da noite na PULPERIA, bar e restaurante que reunia a juventude adepta do movimento nativista, emergente na época. Em função de participações exitosas em festivais, principalmente na 5ª Tertúlia de Santa Maria, 1º Musicanto de Santa Rosa e 1ª Coxilha de Cruz Alta, aos poucos, fui abrindo mercado para shows no interior do Estado e depois fora dele. Gravei o primeiro disco em 1989.

AM: No disco “Coração de Gaúcho” (USA Discos, 2000), você gravou Sem você não sou feliz, de Gildo de Freitas, e Guitarreiro para um guitarrista, de Luiz Coronel e Marco Aurélio Vasconcelos, duas canções que representam autores de movimentos historicamente opostos na música gaúcha. Em outros discos você repetiu esta fórmula com facilidade e sucesso. Diante disso, podemos pensar que João de Almeida Neto é tradicionalista, nativista, regionalista ou que não tem um rótulo definido? Como você transita com tanta facilidade em gêneros aparentemente tão diferentes?

JAN: Efetivamente, antes do exemplo que citaste eu já havia gravado Definição do Grito, no meu 1º disco, Homem Feio Sem Coragem Não Possui Mulher Bonita e Trança de China, todas do Gildo. É que não considero a música regionalista e nativista de movimentos “historicamente opostos”, mas linguagens da mesma cultura, com dialéticas diferentes. Ambas versam sobre a cultura popular gaúcha. Admito que a vertente nativista tem, ou teve, uma concepção poética mais culta e uma construção melódica mais rebuscada. Se eu tiver que me abrigar em algum dos segmentos, certamente será na linha nativista, porque foi de onde vim, vide histórico dos festivais, mas admiro e respeito todas as manifestações culturais populares.

AM: Há quem diga que sua voz é muito semelhante à de Nelson Gonçalves e você próprio admite que o “Metralha” é uma de suas referências musicais. Nunca pensou em gravar um disco com temas do repertório de Nelson? E de outros autores não identificados exclusivamente ao Rio Grande do Sul? Seu show “Gaúcho também chora”, que explora temas como a boemia, é uma direção neste caminho?

JAN: Ser comparado ao Nelson Gonçalves é um honra para mim. Procuro escutar cantores que admiro (Orlando, Nelson, Nat King Cole, Azsnavour, Carlos do Carmo), não para copiá-los, mas para aprender as malandragens vocais. Nunca me atraiu a idéia de refazer o repertório de um cantor, tipo bancar o sucessor. Acho isso apelativo. O show “Gaúcho Também Chora” procura mostrar sambas e choros compostos por gente ligada ao nativismo e que eu também posso incursionar pela MPB, como cantor.

Acervo pessoal do cantor

AM: A música do Rio Grande do Sul vive um momento de projeção nacional limitada. Diferente de outros momentos da História, quando artistas como Teixeirinha, Berenice Azambuja e Gaúcho da Fronteira eram sucesso em todo o país, hoje vivemos um processo de sucessos locais e com pouca expressão nacional. Como você encara esta questão? Em sua opinião, o que pode ser feito para que a música regional quebre as fronteiras do Estado e volta à cena com força?

JAN: Não é de todo verdade que estejamos “órfãos” de artistas com expressão nacional. Renato Borghetti e Yamandú Costa contam com prestígio em todo o território brasileiro e, até mesmo, no exterior. O que não temos é gente sistematicamente na mídia. Mas isso não acontece apenas com músicos gaúchos. Há muita gente boa por este País afora que a mídia não conhece. Isso é mais problema da mídia, que não se importa com a cultura brasileira e divulga apenas os enlatados das gravadoras. Como dizia o Aldir Blanc: “o Brasil não conhece o Brasil”. É possível que um maior investimento em divulgação pudesse mudar esse panorama. No meu caso, falta disciplina e dedicação. Quem sabe até um pouco de humildade pra “pedir penico”pra programador de rádio.

AM: Em 1988, você classificou três canções para a noite final da Califórnia da Canção Nativa e arrematou o prêmio de melhor intérprete. Este foi apenas um dos capítulos de sua história vitoriosa no festival de Uruguaiana. Você considera a Califórnia como o palco mais importante de sua vida? Qual a sua opinião sobre os rumos que o festival tomou nos últimos anos?

JAN: Considero o Movimento Nativista um processo cultural que se alastrou por todo o Estado e sob essa óptica todos os festivais tiveram sua parcela de importância na renovação estética/cultural de nossa música. A Califórnia foi o primeiro desses palcos. O pioneiro. Nada teria acontecido sem ela. Por isso se destaca. Eu andei por todos eles. De cada um colhi uma experiência. Palco é palco, amigo. É um mundo à parte. Desde o mais humilde coreto de rodeio, ao mais glamoroso cenário de teatro, sobre eles está, humilde ou glamorosa, a ARTE, para se plantar ou se colher. Os festivais cumpriram um ciclo. Longo ciclo. É natural que tenham perdido força. A Califórnia descuidou de alguns detalhes e se desprestigiou por isso. Seria necessário mais tempo e espaço para detalharmos isso. Independente do rumo que tenha tomado deixou seu legado e poderá, se quiser, retomar seu lugar na história do movimento.

AM: Quais são as maiores dificuldades que os artistas da música regional ainda encontram?

JAN: A pouca expansão do mercado de trabalho, o desamparo classista, a falta de divulgação espontânea do seu trabalho e o preconceito contra a música rural.

AM: As recentes polêmicas envolvendo, primeiro, o MTG e os grupos da chamada “Tchê Music”, e, depois, as declarações do músico Nei Lisboa – que, em entrevista ao jornal Zero Hora, classificou a música regional gaúcha como “intragável” – fizeram com que o debate sobre a qualidade do se produz musicalmente no Rio Grande do Sul voltasse à tona. Você acha que este debate é válido? A polêmica ajuda ou atrapalha?

JAN: Acho que a polêmica e o debate sempre ajudam. Como disse Ptolomeu: “Da discussão nasce a luz”. Mas não no nível colocado pelo Nei. Uma coisa é criticar, outra é ofender. Intragável foi a postura dele, que pelo jornal disse o que disse e depois se negou a ir aos debates a que foi convidado. Amarelou. Ficou com medo de sustentar a própria palavra. As questões do MTG e da “Tchê Music” são menores do que as questões culturais, como um todo. Não se pode tê-los como a folha de rosto da cultura do Rio Grande. Debater sobre o que eles têm de bom ou de ruim é apenas procurar caminhos e não decidir, definitivamente, como as coisas devem ou não devem ser. Existe cultura além do MTG e existe música além da “Tchê Music”.

AM: Como advogado e artista, o que você pensa da Internet enquanto meio de divulgação artística? A troca de arquivos de MP3, por exemplo, tem beneficiado ou prejudicado a difusão de seu trabalho?

JAN: Como músico ou como advogado não posso concordar com a pirataria. Mas internet é um problema maior para as gravadoras do que para os artistas, na medida em que os discos não pertencem a estes, mas a elas. Por outro lado não há como negar que a troca de arquivos e as disponibilidades musicais na rede ajudam a tornar o trabalho do músico conhecido. Mas isso não torna lícito o que é ilícito.

Arquivo pessoal do cantor

AM: Quais são seus próximos planos? Você está trabalhando em algum novo projeto de show e/ou disco? Pode adiantar algo para nossos leitores?

JAN: Tenho um disco novo já entregue para a gravadora, que o lançará brevemente. BRASILEIRO E CASTELHANO, se chama. Gravei músicas novas e uma milonga candombe, de um compositor uruguaio, em espanhol. Estou organizando a continuidade do GAUCHO TAMBÉM CHORA, para levá-lo para fora do Estado e para gravar um DVD.

AM: Qual o recado você deixa para o leitor do América Macanuda?

JAN: Não sou muito de dar conselhos. Acho que é porque não sou muito de segui-los. Mas se me permitem, sugiram que as pessoas valorizem mais a cultura nacional.

Livros: “Califórnia da Canção Nativa”

2010-03-22T20:02:00.000-03:00

por Chico Cougo

No final dos anos 60, o estancieiro Colmar Pereira Duarte teve sua composição Abichornado desclassificada de um festival realizado pela Rádio São Miguel, de Uruguaiana. O motivo do corte: Abichornado era uma canção regionalista, que falava das coisas da terra e fugia da proposta do festival. Inconformado, Colmar prometeu a si mesmo que vingaria aquela derrota. E de uma forma maior do que qualquer retaliação mesquinha: ele próprio criaria e ajudaria a organizar a Califórnia da Canção Nativa do Rio Grande do Sul, o mais importante festival da História musical do Estado.

É esse o mote central de Califórnia da Canção Nativa: marco de mudanças na cultura gaúcha (Movimento, 2001). No livro, que conta com quase duzentas páginas recheadas de imagens e depoimentos de suma importância, a trajetória da Califórnia é remontada desde suas origens, enfocando as polêmicas pelas quais passou e as mudanças que instaurou no meio cultural gaúcho. Escrito por José Édil de Lima Alves e pelo próprio Colmar Pereira Duarte, o livro parece ter sido idealizado, de um lado, como um balancete sobre as conquistas e dificuldades do festival e, de outro, como uma “biografia” do movimento que ele ensejou. Daí a abundante participação de depoentes, documentos e de uma didática linha cronológica que ajuda a visualizar os avanços e retrocessos da Califórnia até sua 29ª edição.

Apesar do tom de História oficial, o livro abre o flanco para discutir algumas das principais polêmicas que povoaram os quase 40 anos de História da Califórnia. Quem é o verdadeiro idealizador do festival? Páginas e mais páginas são gastas para afiançar que Colmar é o “pai” legítimo do evento, mas, ainda assim, volta e meia surgem trechos que põem em xeque esta assertiva. Outra polêmica: cantores com sotaque castelhano podem ou não participar do certame? A discussão é substituída pelo pedido de suspensão do festival feito pelo cantor Daniel Torres, em 1999 – e que foi negado pela justiça (o cantor alegava preconceito por parte da organização, que não admitia sotaques estrangeiros).

Entre acusações e oficializações, Califórnia da Canção Nativa: marco de mudanças na cultura gaúcha parece um livro fundamental para compreender o desenvolvimento da Califórnia e de toda a cultura dos festivais nativistas no Estado. Mais do que isso, na medida em que o livro avança, fica mais perceptível o ideal de higienização da cultura gaúcha, que permeou este movimento gestado, ao fim e ao cabo, nas esferas da classe média/alta.

Enfim, uma obra de leitura obrigatória para os interessados na cultura sulina e em seus debates mais profundos. Vale a pena lê-lo!

"Gardel Inédito"

2010-03-20T12:44:00.000-03:00

EMI/Divulgação

por Chico Cougo [@chicocougo]

Revirar os porões das velhas gravadoras é o sonho de qualquer discófilo. Imaginem só um lugar repleto de acetatos com setenta ou oitenta anos de vida, verdadeiras relíquias musicais gravadas por artistas que mudaram a cena musical de seu tempo! É impossível pensar na inexistência de gravações que nunca chegaram ao público, ou que tiveram letra e música modificadas antes da consagração.

Com mais ou menos este espírito, a EMI lançou, em 1999, o álbum “Gardel Inédito”, uma coletânea com 21 canções de Carlos Gardel que, até então, permaneciam inéditas. Aliás, nem tão inéditas assim. Na realidade, os fonogramas lançados jamais haviam chegado ao público, porque o próprio cantor os teria trocada por outras versões de seu agrado. Daí o fato de o disco não contar com nenhum tema realmente inédito na voz do “Morocho”. Trata-se apenas de gravações desconhecidas.

O processo de produção da obra é, no mínimo, fantástico. Em 1998, pesquisadores e produtores mergulharam nos arquivos da EMI (na época de Gardel a gravadora se chamava Odeon) e resgataram os velhos discos de acetato, as provas que eram produzidas antes da prensagem final. Os originais foram limpos, catalogados e enviados ao consagrado estúdio Abbey Road (o mesmo dos Beatles), onde engenheiros de som da Universidade de Oxford remasterizaram o material, deixando-o com qualidade digital. “O resultado, comparado ao som que tinham os originais, é extraordinário”, diz a contracapa de “Gardel Inédito”.

No repertório, grandes e nem tão grandes clássicos do “Zorzal Criollo”, alguns com roupagem bastante diferente das comumente conhecidas. Em Contramarca (Brancatti / Rossi), um arranjo de cordas mostra o empenho de Gardel em conseguir a melhor combinação instrumental/voz. Já a versão de Caminito (Peñaloza / Filiberto) parece ter música ligeiramente menos elaborada, em relação à gravação mais famosa. Outro barato do disco é o grande número de gravações de temas “lado B”, aqueles menos populares, como Todavía hay otarios (Pizarro / Bebety) e Alicia (Cárdenas / Barbieri).

Infelizmente, “Gardel Inédito” não foi comercializado no Brasil (como se não tivéssemos gardelianos à altura por aqui...) e, mesmo na Argentina, o disco aparece fora de catálogo nas principais lojas. De qualquer forma, não é difícil encontrar o álbum nos bons sites de compartilhamento da Internet. Uma audição recomendadíssima para quem gosta de Gardel, de tango e do cheirinho de pó dos porões!

EMI/Divulgação

Galpão Crioulo Especial Leonardo

2010-03-17T21:39:00.000-03:00

por Chico Cougo [@chicocougo]

No último domingo, o Galpão Crioulo (RBSTV) apresentou uma edição especial em homenagem ao cantor Leonardo, falecido no dia 7. O bageense Jader Moreci Teixeira ganhou uma reverência à altura de seu talento, num especial de 45 minutos que reuniu depoimentos, trechos de suas apresentações no programa e um apanhado geral sobre sua vida – dos tempos em que ele era o palhaço Sabugo, em circos do interior, até a trajetória vitoriosa como intérprete.

Entre os relatos sobre Leonardo, várias facetas do artista foram expostas. Leonir falou dos tempos em que formava dupla com o cantor. O gaiteiro Regis Marques, do grupo Rodeio, ressaltou o bom coração do artista. Paixão Côrtes, Heleno Gimenez, Paulinho Fonseca e Geraldo Trindade fecham o grupo de relatos acerca do autor de Tertúlia.

No especial, foram exibidas algumas das mais marcantes canções de Leonardo em seus mais de quarenta anos como cantor e compositor. O Galpão Crioulo, dono de um dos mais completos acervos da música sul-rio-grandense, possui apresentações do cantor durante quase toda a década de 1980 e 1980, além de suas últimas aparições na TV. Acompanhado por conjunto próprio, ou por grupos consagrados, como Os Mirins e Os Serranos, foram exibidos trechos Regresso do carreteiro (ao vivo, em 1986), Viva a bombacha (1984 e 1986), Morocha, não (gravada em São Miguel do Oeste, em 1996), Tertúlia (1983/86/88), Vaneira marcada (1999, em Chapecó), O homem do pala branco (Santa Bárbara, RS, 2002), Capital do bem querer (Porto Alegre, 1999) e o clássico Céu, sol, sul, terra e cor.

Um Galpão Crioulo imperdível, pois. Para assisti-lo, clique em Play (no vídeo acima) e divirta-se!

MORRE O CANTOR NATIVISTA LEONARDO

2010-03-07T16:48:00.003-03:00

Genaro Joner / Zero Hora

por Chico Cougo [@chicocougo]

Morreu nesta madrugada, no Hospital de Viamão (RS), o cantor nativista Jader Moreci Teixeira, o Leonardo. Ele tinha 71 anos e passava por graves problemas de saúde, ocasionados por complicações renais. Na segunda-feira, dia 1º, Leonardo foi internado após sentir-se mal. Na quarta, foi detectado o problema renal e, no dia seguinte, o cantor sofreu uma parada cardíaca enquanto se submetia a uma sessão de hemodiálise. Desde então, ele permanecia em coma induzido. No início da madrugada deste domingo, o artista sofreu três novas paradas cardíacas e não resistiu.

Leonardo nasceu em Bagé e tornou-se um dos principais participantes da Califórnia da Canção Nativa de Uruguaiana, festival que venceu em 1982, defendendo a obra Tertúlia. Suas músicas destacaram-se por enaltecer o Rio Grande do Sul e investir em temas nem sempre comuns ao cancioneiro regional, como é o caso de Morocha não, composição em que o artista se opõe ao machismo gaudério. Em 2000, sua canção-exaltação Céu, sol, Sul, terra e cor foi escolhida pelo voto popular como “A música do Rio Grande” (em promoção do jornal Zero Hora). Bagual de chácara e Viva a bombacha também marcaram época na carreira de Leonardo. Desde 2003, o cantor apresentava o programa Província de São Pedro, aos domingos, pela rádio Guaíba de Porto Alegre.

O corpo de Leonardo será sepultado às 17h, na capela 3 do Cemitério Parque Saint-Hillaire, em Viamão.

Relembre um momento célebre da carreira de Leonardo, sua apresentação no Galpão Crioulo de 1984, onde ele canta Viva a bombacha, com acompanhamento do grupo Os Serranos.

Chile: como ajudá-los?

2010-02-28T23:37:00.001-03:00

Como todos devem estar acompanhando, nossos irmãos chilenos estão sofrendo com o trágico terremoto que assolou o país na noite da última sexta-feira. Já são mais de 700 mortos e inúmeros desaparecidos.

Pensando neste momento de caos, a empresa Google criou um site especial para localizar desaparecidos chilenos. Neste link os interessados podem acessar a página.

Neste momento que comove nossa América Latina, este blog abre espaço para divulgar o endereço do Person Finder: Chile Earthquake e, assim, unir-se aos esforços para amenizar a dor de nossos queridos irmãos continentais.

Livros: "Discépolo: una biografía argentina"

2010-02-27T21:47:00.001-03:00

por Chico Cougo [@chicocougo]

Além da música, nossa América Macanuda possui pelo menos outras duas artes em que é pródiga: o cinema e a literatura. Pensando nisso, a partir de hoje este blog passará a abordar, também, estes dois assuntos. E começamos logo com um livro bastante interessante: Discépolo, una biografía argentina, do historiador Sergio Pujol (Booket, 1996).

Embora não tenha tradução em português, a biografia histórica de Enrique Santos Discépolo (1901-1951) – ator, teatrólogo, diretor de cinema e autor de tangos clássicos como Cambalache e Yira, yira – bem que merecia uma versão em nossa língua. Discepolín foi o maior poeta popular argentino, influenciou uma geração inteira e sua obra ressoou por toda a América Latina. Para que se tenha uma idéia, em 1969, Caetano Veloso gravou o tango Cambalache. Dois anos antes, o seresteiro Nelson Gonçalves também já havia registrado versões de alguns sucessos discepolianos, dentre eles o clássico Confesión. Até Raul Seixas, quase uma década depois, gravaria peças do criador de “El Mordisquito”.

Na obra de Pujol, que também é crítico musical, Discépolo é revisitado pela lupa do tempo. Com sua filosofia peculiar, o autor de Uno parece saltar das páginas do livro para a atualidade. Seu pessimismo tão característico é mostrado em todas as suas facetas e origens: a perda prematura dos pais, a mão rígida de Armando (seu irmão mais velho), a busca desenfreada pelo sucesso, a carência por aplausos e reconhecimento, a desesperança sobre os rumos do mundo, os desencontros amorosos, sua relação contraditória com a pareja Perón-Evita e seu grande amor pela cantora Tania (com quem viveu por mais de duas décadas, apesar da infidelidade pública da companheira).

No entanto, mais do que uma narrativa cronológica, Discépolo tem o grande mérito de esmiuçar a trajetória das produções artísticas de Enrique. Cada peça de teatro, cada tango, cada filme e cada programa de rádio ganha seu espaço no livro. Mais do que produtos de uma mente engenhosa e inquieta, estas obras são mostradas dentro de um contexto histórico que as expõe mais como frutos de momentos especiais, do que da suposta genialidade “sobrenatural” de Discépolo. Não há coincidências quando se fala do autor de Yira, yira.

Outro ponto alto do estudo é o resgate que ele faz sobre a produção teatral de Discepolín, um lado que nem todos conhecem. Peças como Wünder Bar, adaptação de um grande sucesso europeu, são descritas em detalhes. A inserção de canções compostas por Discépolo especialmente para tais apresentações, também. Aliás, um dos grandes momentos do livro parece estar no longo relato que o autor faz sobre a gestação de Uno, tango composto a partir de uma melodia de sucesso do pianista Mariano Mores.

Dos defeitos de Discépolo: una biografía argentina, eu destacaria, principalmente, a falta de referências sobre declarações, documentos e livros citados. No final do compêndio, há uma vasta bibliografia de onde o autor retirou o emaranhado de informações. Entretanto, no texto em si, não existem referências específicas, o que prejudica àqueles que têm a pretensão de averiguar tais informações na busca por maiores detalhes. Mesmo assim, este defeito não chega a diminuir a importância e o bom trabalho de Sergio Pujol. Trata-se de uma biografia fundamental para os que gostam do universo do tango e para aqueles que querem saber mais sobre um dos autores fundamentais para a compreensão da América Latina (quiçá do mundo todo) no século XX.

Soledad em Pelotas?

2010-02-25T17:24:00.000-03:00

Luces de Misiones

por Chico Cougo [@chicocougo]

O assunto surgiu na comunidade da cantora, no Orkut: os organizadores do Rodeio Internacional de Pelotas estariam interessados no show de Soledad Pastorutti. O evento ocorrerá entre os dias 16 e 21 de abril, no Parque de Eventos Morada do Sol. A produtora X13 seria uma das responsáveis por estudar a viabilidade da apresentação.

A princípio, trata-se de um boato, quase uma especulação. Soledad está em férias e volta aos palcos amanhã, dia 26, com o show “La Fiesta” (em San Juan). A agenda da santafesina de Arequito inclui outras oito apresentações até o dia 9 de abril. Depois disso, teoricamente, ela está com a agenda livre. Uma negociação é possível, portanto.

Entretanto, cautela é indispensável. Não é a primeira vez que um evento sul-rio-grandense cogita contratar Soledad Pastorutti. A propósito, vale lembrar que, mesmo sendo bastante popular por estas plagas, a cantora só se apresentou no Rio Grande do Sul em três ocasiões – sendo uma delas em um show privado. Se o Rodeio Internacional de Pelotas realmente trouxer o “Furacão de Arequito” ao Sul novamente, com certeza os fãs da cantora farão do evento um sucesso.

A propósito...

Dia 27 de março, em Las Rosas (Santa Fé), acontece o show de despedida do guitarrista Beto Arauco, “segunda guitarra” do conjunto que acompanha Soledad (na foto, ao lado da cantora). Depois de uma vida dedicada ao folclore, Arauco vai se aposentar. Para marcar a data, um grande festival está sendo organizado. La Sole tem presença confirmada.

O gardeliano Rafael Rojas

2010-02-23T20:59:00.002-03:00

por Chico Cougo [@chicocougo]

Outro dia escrevi sobre o cantor Rafael Rojas, no meu blog Memórias do Chico. No texto, eu falava, em tom de brincadeira, sobre a possibilidade de Rojas ser, na realidade, Carlos Gardel. Tamanhas são as semelhanças físicas e artísticas entre ambos, que a minha broma só não é levada a sério, porque Gardel teria 120 anos se vivo fosse. E também porque não existem muitas possibilidades de que o Zorzal tenha escapado com vida do acidente aéreo que sofreu, em 1935.

De qualquer forma, não fui o único que se impressionou com o talento do chileno Rafael Rojas, cujo nome de batismo é o pouco sonoro Israel Esmar. O cantor, nascido em 1970, em Cerro Navia (Chile), mudou-se ainda jovem para Buenos Aires e, mais tarde, para a Alemanha. Foi na Europa, levado por seu pai, que ele entrou em contato com a música argentina. Em meados dos anos 1980, a família de Rojas atravessou o Atlântico novamente e instalou-se no Uruguai. Da Europa, o jovem trouxe apenas lejanías e saudades de sua primeira namorada.

Curiosamente, foi justamente a saudade de seu primeiro amor que aproximou Rafael do tango. Mesmo envergonhado diante do microfone, o rapaz demonstrou talento tão logo começou a entoar os primeiros clássicos gardelianos. Foi nesta época – início dos anos 1990 - que Israel Esmar transformou-se em Rafael Rojas, o mais completo imitador de Carlos Gardel. Seu sucesso e semelhança com o “Rei do Tango” é tão grande que ele precisa cantar, à capela, Mi Buenos Aires querido para que os espectadores de suas apresentações acreditem que aquela voz é mesmo sua.

Para dirimir dúvidas e mostrar que é mais do que um mero imitador do Morocho del Abasto, Rojas gravou em 2007 um disco pra lá de especial: “Los tangos que Gardel nunca cantó”, uma seleção de dezesseis temas que nunca foram gravados por Carlos Gardel. O repertório inclui clássicos como Uno (Mores/Discepolo), Cambalache (Discepolo), Sur (Troilo/Manzi) e Como dos extraños (Laurenz/J.M. Contursi). Os arranjos ficaram por conta do genial Juanjo Domínguez, que dirigiu um sexteto de guitarras, bem no estilo musical que foi consagrado por Carlos Gardel. Do início ao fim, trata-se de um disco sem precedentes.

Como é muito difícil encontrar “Los tangos que Gardel nunca cantó” no Brasil, fica aqui o link para quem se interessar em baixá-lo. A direção leva ao blog El tango y sus invitados, que também traz um texto detalhado sobre vida, obra e anedotas de Rojas (sendo tão parecido com Gardel, não faltam histórias engraçadas!). Para finalizar, uma palhinha deste talentoso chileno. No vídeo, Rafael Rojas canta Pasional, tango de 1951, com letra de Mario Soto e música de Jorge Caldara. Um primor!

Nei Lisboa falou bobagem

2010-02-16T12:53:00.000-02:00

O Zero Hora de hoje publica, no Segundo Caderno, mais um capítulo da polêmica envolvendo o músico Nei Lisboa e os defensores da música tradicional gaúcha. No dia 25 de janeiro, em entrevista à ZH, Nei se disse não-identificado com a música regional do Estado. Em trecho controverso, o cantor afirmou considerar a produção musical típica do Rio Grande do Sul “muito ruim, estética, ideológica e musicalmente”. Para exemplificar seu raciocínio, usou o cantor Teixeirinha, maior fenômeno de vendas da História do RS.

Depois de classificar a música regional como “reacionária” e “intragável” para qualquer pessoa “minimamente esclarecida”, Nei Lisboa despertou a ira dos apaixonados defensores do tradicionalismo. Hoje o cantor assina um texto em Zero Hora onde, tentando justificar sua posição, questiona: “se há de fato [na música gaúcha] aqueles que refugam o modelo oficialista e conservador, pouco se escuta sua voz. Onde está essa contestação? No espaço mais visível da mídia, o que predomina é uma nebulosa monotemática, sempre pilchada a rigor e exaltando aquele Rio Grande que, sabe-se bem, nunca existiu” – afirma.

Compartilho da opinião do presidente do Movimento Tradicionalista Gaúcho, Oscar Gress: não há motivos para trucidarmos Nei Lisboa. Também compactuo com o músico Bebeto Alves, que considera esta discussão ultrapassada. Porém, foi Nei quem trouxe o assunto à baila, mostrando que ainda existem arestas a serem aparadas. Debatê-las é fundamental, então.

Primeiramente, há que se ressaltar a infelicidade das declarações de Lisboa. E em ambos os textos. Além de considerar-se “esclarecido”, manobra narrativa que ofende a qualquer leitor contrário a sua opinião, o artista acabou entrando de gaiato em um navio onde não foi chamado. Ao ler a primeira entrevista, que desencadeou toda a polêmica, vemos que em momento algum Lisboa foi questionado sobre o tradicionalismo gaúcho. Ao contrário, foi ele quem deu o pontapé inicial na discussão. E por livre e espontânea vontade, desferindo críticas duras (embora realistas, em alguns pontos) gratuitamente.

Pior do que isso, é o despreparo do músico porto-alegrense sobre tais assuntos. No mesmo parágrafo em que critica o tradicionalismo sul-rio-grandense por sua suposta pobreza estética e ideológica, Nei cita como exemplo o cantor Teixeirinha, um personagem que, em vida, sofreu todo tipo de retaliação por parte do próprio MTG (incluindo seu braço mais sofisticado, o “fenômeno dos festivais”) justamente por não se adequar à cartilha da tradição. Como mostro em minha dissertação de mestrado (que no mês que vem será defendida na Universidade Federal do Rio Grande do Sul), Vitor Mateus Teixeira foi uma figura que transitou nos mais diversos nichos musicais brasileiros. Ele atuou com muita força nas cinco regiões do Brasil, fez de sua música um regionalismo universal (o mesmo que Luiz Gonzaga), comunicou-se facilmente com distintos públicos e, à despeito da citada pobreza estética de sua obra, entregou a maior parte de seus 49 LPs inéditos à diretores, produtores e músicos consagrados, não por coincidência os mesmos que assinaram alguns dos maiores clássicos da MPB, discos de Elis Regina, Chico Buarque, Nelson Gonçalves e Roberto Carlos, por exemplo.

Além disso, fazer uso de Teixeirinha para exemplificar pobreza ideológica é cair no velho preconceito que considera a obra deste artista alienada do contexto sócio-cultural brasileiro. Já afirmou a filósofa Marilena Chauí que, no Brasil, há uma música considerada popularesca, comercial, “lixo cultural”, mas que, constantemente, é ela quem brada contra a situação de miséria e abandono do brasileiro pobre, esquecido pela “alta MPB” (aquela “esclarecida”, preocupada em destruir a ordem vigente com seu protest song). Como provo em minha dissertação, Teixeirinha enquadra-se exatamente neste perfil. Através de sua música, uma enorme parcela da população brasileira – composta por caminhoneiros, empregadas domésticas, pedreiros, enfim, operários e agricultores de vida dificílima – identificava-se e via suas agruras diárias contadas. Ou será que ninguém percebeu que Coração de luto, por exemplo, é um dos maiores gritos de protesto dos órfãos e menores abandonados em todo o país?

Não sei se Nei Lisboa está certo ou errado em sua explanação sobre o gauchismo. Sabemos que ele tem razão em vários pontos, que o MTG bitolou grande parte da produção artística do Rio Grande do Sul, que nossos festivais não são a oitava maravilha do mundo, que nossa música nativa precisa se rever (vivo escrevendo isso, aqui). Porém, sobre Teixeirinha em especial, sou da opinião de que Lisboa falou bobagem, defendeu idéias mais do que obsoletas e incorreu no mesmo preconceito que seus pares incorriam 40 anos atrás: o de julgar sem ouvir. Lamentável!

Shana Müller quer ser do mundo

2010-02-04T21:35:00.004-02:00

Divulgação

por Chico Cougo [@chicocougo]

29 anos e um desafio: ser universal e regional ao mesmo tempo. Esta é a mensagem principal de “Brinco de princesa”, o terceiro álbum da cantora Shana Müller, lançado meio mês atrás pelo selo GM/2 Música (da própria Shana) e pela gravadora gaúcha ACIT. Um disco realmente novo neste mais ou menos estático meio musical sul-rio-grandense. E uma provação na carreira da alegretense.

“Brinco de princesa” é, sob todos os pontos de vista, melhor que os discos anteriores de Shana Müller. Do encarte às melodias, fica explícito o objetivo de dar novos rumos a uma carreira de extremo potencial. Trata-se de um álbum plasticamente caprichado, com um encarte bilíngüe (português e inglês), fotos belíssimas e um texto prefacial onde Müller põe na balança o que fez em duas décadas de trajetória, concluindo que pode mais. Muito mais.

Ousadia não faltou. Os arranjos parecem ter ganhado um capricho raro nas gravações gaúchas atuais, com a participação especial de músicos consagrados, como Marcello Caminha (violão), Michel Dorffman (piano), Luiz Carlos Borges (acordeom) e Texo Cabral (flauta). Além deles, grande destaque também para os músicos que já acompanham Shana Müller há mais tempo: os Paulinhos, Goulart no acordeom, Fagundes no violão (ambos dirigem o álbum); o baixista Edu Martins; e o percussionista Mariano Cantero.

Aliás, falando em percussão, eis o grande “molho” de “Brinco de princesa”. Habilidoso na percussão, Cantero parece ter transformado o álbum de Shana num dos grandes candidatos ao rol dos discos que extrapolam a epidemia de meros chamamés e vaneirões, para se transformar numa peça que pode ser ouvida por qualquer admirador da boa música. É verdade que há uma levada mais jazzista em todo o álbum, mas eis aí uma das grandes inovações trazidas por Müller neste seu terceiro trabalho. “Brinco de princesa” é um disco para ser degustado. Querendo ser do mundo (sintomaticamente a sexta faixa do CD trata exatamente deste tema e arrisca até um trechinho bossanovista), a cantora parece ter finalmente conseguido extrapolar as peias do nativismo. Com temas mais universais e, principalmente, femininos, “Brinco...” traz um repertório muito mais de acordo com a voz e o estilo de Shana Müller.

É verdade que talvez ainda faltem alguns detalhes para que ela atinja um nível de universalidade e originalidade maior. Particularmente, as gravações em espanhol continuam não me seduzindo, assim como sinto falta de um ou outro tema mais antigo, que possa mostrar o lado “pesquisadora” de Müller – continuo em meus devaneios sobre Luiz Menezes ou algum tango entoados pela cantora. Mesmo assim, é notável que Érlon Péricles (principal letrista do álbum) parece ter destinado um repertório mais “de acordo” com a artista, um sinal que fica muito claro pela linguagem mais enxuta e menos carregada de termos reconhecidamente nativistas. Menos “gauchadas”, como diria Carlos Gardel.

Um bom sinal. E um enorme passo para quem quer ser do mundo. Shana Müler está no caminho certo.

Shana Müller no Galpão Nativo

2010-01-30T22:45:00.000-02:00

A cantora nativista Shana Müller participará do programa Galpão Nativo, da TVE, neste domingo, dia 31 de janeiro. A presença acontece em decorrência do lançamento de seu novo trabalho 'Brinco de Princesa'.

Shana pertence ao cenário musical tradicionalista desde os oito anos de idade. Em 2004, lançou o álbum de estreia solo 'Gaúcha'. Em 2006, seu trabalho de intérprete seguiu-se com o CD 'Firmando o Passo'. Reconhecida no Estado e em países da América Latina, por mais de uma oportunidade, a cantora esteve no palco com grandes nomes da música, como Luiz Carlos Borges e Mercedes Sosa.

Neste final de semana, a cantora fará o primeiro show desde o lançamento de seu novo trabalho, 'Brinco de Princesa', no rodeio Internacional de Vacaria. O álbum pode ser encontrado nas melhores lojas da área, em Porto Alegre e no Interior, por R$ 11,90. Mais informações podem ser obtidas pelos telefones (51) 3012.6810 e (51) 3372.5179.

INFORMAÇÕES PARA A IMPRENSA:
Adriano Cescani e Robledo Milani
Phosphoros Novas Ideias
Porto Alegre – Rio Grande do Sul – Brasil
(51) 3012.6810 – (51) 8184.1561
phosphoros@phosphoros.com.br – www.phosphoros.com.br/dreamland

Dolores Solá mostra como se faz

2010-01-30T18:49:00.000-02:00

Punto Tango

por Chico Cougo [@chicocougo]

Cantoras de tango existem muitas. E quase todas muito boas. Porém, com a qualidade artística de Dolores Solá, são poucas. Quem ainda não conhece a argentina ‘Lola’ não teve a oportunidade de desfrutar o que há de melhor no tango do século XXI: composições clássicas mescladas com renovação musical e, principalmente, com a efervescência do mais puro sentimento tangueiro.

São estes, aliás, os principais predicados de “Salto Mortal” (2009), o primeiro disco solista de Dolores Solá. Um CD com “ares de cabaret e circo criollo, fox trots, fados, tangos, canções campeiras, pasodobles e valsas” sobre a Buenos Aires da Bela Época, de Gardel, Corsini e Magaldi – os três mitos do tango evocados no repertório escolhido. “Salto Mortal” é o trabalho que abre uma nova página na carreira de Dolores. Agora, além de ser vocalista do grupo La Chicana (responsável por uma das revoluções do tango na última década), ela debuta como intérprete num trabalho próprio onde, segundo a revista Punto Tango, não apenas cantou, como também participou de todo o processo criativo.

Processo que, diga-se de passagem, se deu a partir de muita pesquisa. No repertório do disco-circo, uma seleção de “lados B” que marcaram as carreiras de Carlos Gardel, Agustín Magaldi e Ignácio Corsini, os maiores astros do tango e da milonga na primeira metade do século XX. Fugindo do ar puramente tangueiro, Solá traz páginas quase esquecidas de um cancioneiro que, ainda criança, ouvia ao lado do pai. É o caso, por exemplo, do fado Caprichosa, gravado por Carlos Gardel nos anos 1930 e, na voz de Dolores, resgatado em toda sua essência. Ou ainda Mañanita de sol, uma chacarera de Mário Battistella, Gardel e Le Pera, daquelas que poucos lembram.

Tudo fruto de muita pesquisa e atenção. Afinal, não é qualquer artista que transporta Franz Lehar para um disco de música criolla (vide a faixa final de “Salto Mortal”, Fox trot de Gigolette, tema do famoso compositor húngaro). Mas Dolores Solá é assim: uma voz talentosa, uma inquietude artística e um exemplo: o de que pesquisar música pode ser o caminho menos sinuoso para a música de qualidade.

Tributo a Mercedes Sosa no FSM

2010-01-25T21:51:00.000-02:00

Coveralia

por Chico Cougo [@chicocougo]

Informa o blog A mesma chuva que no dia 28, a partir das 17hs, o argentino Victor Heredia estará participando, entre outros músicos, do “Pátria Latino-Americana – Tributo a Mercedes Sosa”, mais um evento do Fórum Social Mundial 2010. O show acontecerá ao ar livre, na Prainha do Gasômetro, em Porto Alegre.

Uma ótima chance de conferir mais uma homenagem a La Negra, capitaneada por grandes artistas latino-americanos.

Tem comparação?

2010-01-23T11:28:00.003-02:00

Aqui Cosquín

por Chico Cougo [@chicocougo]

Nesta semana, dois grandes festivais de música sacodem a América do Sul. O primeiro e maior deles, acontece na cidade argentina de Cosquín, um velho povoado serrano que outrora foi o recanto favorito dos tuberculosos em busca de cura; o segundo, em Olmué, no Chile, um palco consagrado por onde já passaram alguns dos maiores artistas populares latino-americanos.

Dois cenários tradicionais, o primeiro com 50 e o segundo com 41 anos de histórias. Festivais que recebem milhares de espectadores, contam com a presença de artistas de cachê surpreendente (e exorbitante), são veiculados pelas principais rádios e TVs de seus respectivos países, repercutem no mundo todo, angariam novos fãs a cada ano e fazem ecoar a força do canto popular latino de projeção folclórica. Ou seja: conseguem todos os êxitos que a maior parte de nossos festivais congêneres sempre desejaram, mas nunca conseguiram.

Penso até que a Califórnia da Canção Nativa de Uruguaiana conseguiu chegar perto dos grandes festivais latino-americanos. Pelo menos na década de 1970, quando as rádios brigavam para transmitir suas edições, cantores famosos abriam as noites de espetáculos, canções com aporte de futuros clássicos recebiam a Calhandra e emissoras de TV do Rio e São Paulo dedicavam espaço ao certame. Correndo o risco do exagero, eu diria que sim, houve um festival semelhante àqueles longevos e exitosos que vemos na Argentina ou no Chile. Só que não existe mais. Hoje, o grande momento musical do verão meridional brasileiro é o Planeta Atlântida, que tem sua importância dentro de um determinado segmento musical, mas que não tem a obrigação de dar brechas ao canto popular regional.

No fundo, é triste perceber que uma cultura “festivaleira” semelhante a de nossos “hermanos” fronteiriços talvez não tenha vingado por estas plagas. Nossos festivais são “nativistas”, uma outra vertente musical. Apregoam um tipo de canção que nem sempre repercute com bons sentimentos no ouvido popular; ascendem e despencam como castelos de cartas, envoltos, por um lado, na briga por troféus e, por outro, na desorganização financeira; nascem grandes hoje, médios daqui um ano e irrisórios no seguinte. É como se o sentido da integração – o mais nobre dos que a música pode oferecer – tenha se descolado da proposta de 50, 70 ou 90% dos festivais sulinos. Importa mais vencer o certame, mostrar-se aos pares. E, menos, criar uma cultura de fraternidade, de união pela arte.

Posso estar sendo muito duro, mas creio que temos muito o que aprender com os Cosquíns e Olmués da vida...

Polêmica em Cosquín

2010-01-22T16:51:00.000-02:00

Cadena 3

por Chico Cougo [@chicocougo]

Uma grande polêmica tomou conta da segunda luna do 50º Festival Nacional de Folclore de Cosquín. O cantor cubano Pablo Milanés, um dos mais aguardados pelo público, apresentou-se por apenas 35 minutos no palco da festa, deixando o cenário de forma inesperada e causando vaias na platéia. Segundo informações da rádio Cadena 3, o cubano estava afônico por conta de uma forte gripe. O público, entretanto, considerou como uma afronta a atitude de Milanés. Alguns ouvintes da Cadena 3 acusaram o artista de antipatia, já que ele também teria deixado de saudar a platéia. A organização de Cosquín cogita pedir a devolução do cachê de 65 mil dólares, cobrado pelo artista.

Na próxima noite (22/01), entre mais de vinte atrações, Cosquín apresenta Facundo Toro, Roxana Carabajal, Lucia Ceresani e Los Jilgueros.

Começa hoje o Festival de Cosquín

2010-01-20T21:50:00.000-02:00

(TV Pública)

por Chico Cougo [@chicocougo]

Com uma homenagem a Mercedes Sosa, começa hoje o 50º Festival Nacional de Folclore de Cosquín, na cidade argentina e cordobesa de mesmo nome. Cosquín, o palco maior da música folclórica latino-americana terá 12 “lunas”, ou seja, uma dúzia de noites com os melhores artistas da música popular argentina e convidados. Nesta primeira noite, além do tributo à La Negra (com Jairo, Victor Heredia, León Gieco, Peteco Carabajal e Teresa Parodi), quem estiver na municipalidade de Cosquín poderá conferir, também, os espetáculos de Los Huayras, Mariana Cayón, Canto de las Orillas, Soledad Pastorutti, Argentino Luna, Carlos Di Fulvio e o Grupo Vocal Umango, Trio Labiaba, Ballet Camín e Los Tekis.

Se você ficou com vontade de ver ou ouvir a maior festa do folclore, mas não está na Argentina, confira as dicas das emissoras que irão transmitir o festival:

Cadena 3 (rádio argentina que transmite as “lunas” de Cosquín ao vivo e com excelente qualidade de áudio em stream on line);

TV Pública (emissora estatal de TV que transmitirá o festival; conta com transmissão via Internet);

Para conferir a programação completa do festival e muitas outras informações, clique aqui.

O Furacão e os Faceruttis

2010-01-19T22:56:00.002-02:00

Facebook

por Chico Cougo [@chicocougo]

Ela é um fenômeno da discografia, lota qualquer show, lidera a audiência na TV, tem fãs no mundo todo e agora está causando frisson na página de relacionamentos Facebook. Soledad Pastorutti, a argentina de Arequito, que completa 15 de carreira em 2010, não tem limites. E a favor do apelido de “El Huracán” (“O Furacão”, em castelhano), pelo qual La Sole é conhecida na América Latina inteira, estão os números de suas apenas três semanas no Facebook: Pastorutti foi marcada por fãs em 834 fotografias, adicionou 746 admiradores como amigos e recebeu tantas mensagens que nem é possível contá-las. Até porque, no momento em que você lê este texto, todos estes números estão subindo!

O melhor de Soledad no Facebook são suas bem-humoradas participações, sempre citando nomes de amigos, agradecendo pelo carinho dos fãs e, não se espantem, protestando contra um de seus famosos inimigos: o atraso em seus shows. No sábado, 16, poucos minutos antes de entrar no palco do Festival Jesús-Maria, uma inquieta Pastorutti bradava virtualmente: “Viene lerdo el asunto! Vamooos! Cuando respetaran el horarioooo!”.

A cada nova mensagem da chica de Arequito, seus fãs despejam dezenas de respostas, em geral carinhosas. Pedidos para que La Sole cante algum tema especial também são comuns, criando um ambiente de interatividade cada vez mais comum entre público e artista (lembremos que o Twitter também tem sido bastante utilizado por pessoas públicas). A propósito, a troca de regalos virtuais entre Soledad e os solemaníacos já é tão grande, que um novo termo foi criado para distinguir os fãs da cantora que se comunicam com ela via Facebook. São os “faceruttis”, já devidamente identificados em grupos de afinidades na própria página. É a magia da Internet aproximando o público de seus ídolos.

Para Soledad, fica a vantagem de medir o que pensam seus maiores fãs, de que forma eles vêem suas atitudes e o que esperam dela. Na matemática da arte de La Sole, saem lucrando ambas as partes.

A propósito: amanhã, dia 20, Soledad participa da primeira luna do celebra festival de Cosquín.

Coluna Mano a Mano

2010-01-12T11:19:00.000-02:00

por Chico Cougo [@chicocougo]

Rumos e desafios

2010 começou com um América Macanuda cheio de desafios. Quando o blog nasceu, 3 meses atrás, eu imaginava mesclar entrevistas, material inédito, colunas analíticas, resenhas de discos e “reclames” de divulgação dos artistas interessados no espaço. A tarefa parecia difícil, mas realizável, só que o tempo – ou a falta dele, para ser mais preciso – venceu o blogueiro e o projeto mudou seus rumos.

No quesito divulgação, este não é o melhor blog da Internet. Existem muitos, quase todos bastante completos. Sobre materiais inéditos, também acho que o América tem deixado a desejar. Apesar desta coluna e da excelente Coluna da Lidi, o espaço dedicado às resenhas de discos, às entrevistas e aos textos sobre o passado e o presente da música macanuda estão aquém do esperado. Da proposta inicial, muita coisa ainda não saiu do campo das idéias. Falta falar de tango, de milonga, de folclore uruguaio, da boa música paraguaia, das disputas na música gaúcho-brasileira. Falta aprofundar o continente musical e suas diferentes facetas.

Talvez por faltar tanta coisa, é que o América Macanuda ainda patine na audiência e em comentários. Um blog precisa de tempo, qualidade de conteúdo e rumo certo. Até aqui, acho que apenas o quesito qualidade de conteúdo foi suprido, ao menos em parte. O tempo virá ao natural. O rumo certo, ainda precisa surgir. Creio que este ano será decisivo para isso. Vem muita novidade por aí: os festivais do verão argentino, os lançamentos da música gaúcha (que também busca um novo rumo), o movimento em torno de um possível (e temporário) afastamento de Soledad Pastorutti dos palcos (lembremos: a santafesina mais popular da música folclórica está grávida), os 25 anos sem Teixeirinha, a luta pela sobrevivência da Califórnia da Canção e de outros festivais tradicionais do Rio Grande do Sul, o prêmio Gardel...

Com tantos eventos, creio que não faltará assunto por aqui. Basta que saibamos dosar o que e de que forma deve-se falar, sem ser enfadonho, redundante ou crítico sem sentido. Se os três meses que se passaram na história deste blog serviram para esclarecer o que o público quer ou não ler, de agora em diante chegou o momento de investir naquilo que faz falta.

A partir das próximas semanas, portanto, aguardem por novidades. E um 2010 macanudo para todos!

Coluna da Lidi

2010-01-08T20:42:00.001-02:00

>
por Lidiane Silveira

“Por Jesús María las coplas, las jineteadas, el vino y el amor...”

Arranca hoje, 08 de janeiro, a 45ª Edição do Festival Nacional e Internacional de la Doma y Folklore de Jesús Maria, uma das mais populares e maiores festas de verão da Argentina. O evento, que surgiu em uma reunião de cunho social, em assistência às escolas da cidade de Jesús Maria, viu, no ano de sua estréia (1966), um público de 45.000 pessoas, que pode admirar as apresentações de nomes como Los Cantores de Quilla Huasi, Los de Córdoba, Los del Suquía, Jorge Cafrune, entre outros e os tradicionais espetáculos de doma.

Desde então, Jesús María é destino de veraneio de admiradores de gineteadas e de folklore. Por seu palco já passaram os nomes mais importantes da música folclórica argentina e da América do Sul. Para a comemoração do seu 45º aniversário, não foi diferente. Entre os inúmeros shows previstos para essa edição, que termina domingo, dia 17, eu destacaria:

08: Jairo e Las Voces Del Ceibal;

09: Horacio Guarany, Cuti y Roberto Carabajal e a presença brasileira de “Os Gauderios”;

10: Abel Pintos e Los Dioces Del Chamamé;

11: León Gieco, Los Carabajal e Los del Suquía

12: El Chaqueño Palavecino e Los Huayra;

13: Los Alonsitos e Los 4 de Córdoba;

14: Peteco Carabajal, Los Manseros Santiagueños e Marcela Ceballos;

15: Los Arrieros de Salta e Paola Arias;

16: Soledad, Orlando Veracruz e Los Cantores del Alba; e

17: Los Tekis e Facundo Toro.

Já nos campos de gineteada, além dos mais importantes ginetes da Argentina, delegações de Uruguai, Brasil e Chile se fazem presente, somando mais de 800 montarias para os 10 dias de festa cordobesa.

Para os que, assim como eu, estão longe de Jesús María, que se aproximem do evento por meio da internet, através dos sites da TV Pública (www.canal7.com.ar) ou da Rádio Cadena 3 (www.cadena3.com.ar).

Abraços!

Voltamos em breve

2010-01-04T14:21:00.002-02:00

Em virtude das festas de fim de ano, o América Macanuda está sem atualizações. Em breve, voltam as colunas da Lidi e Mano a Mano, além das agendas de shows e informações variadas.

Informativo Cristiano Quevedo

2009-12-26T10:09:00.000-02:00

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Informativo Nina França

2009-12-19T23:45:00.000-02:00

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Coluna da Lidi

2009-12-18T20:43:00.001-02:00

"Todas las voces, todas. Todas las manos, todas"

por Lidiane Silveira

Nesta semana, uma dica.

Há mais ou menos uma semana, entrou no ar a La Negra Radio Web, um meio de comunicação idealizado por Fabian Matus, filho de Mercedes Sosa e sua equipe que visa dar voz à música, à literatura e à arte em geral latinoamericana. Segungo o texto que abre a página web da rádio, a idéia surge com o intuito de levar adiante o espírito progressista e transgressor de Mercedes Sosa, reunindo nomes de toda a América Latina em sua programação.

A agenda é simples. São seis horas de programação que ficam rodando as 24h. Todos os dias há programação nova, que se divide em blocos de músicas com vozes de toda América, e o programa "Sin Fronteras", conduzido pelo argentino Marcelo Pérez Cotten e pela venezuelana Marysabel Sánchez Bouttó. Sin Fronteras que, além de muita música e poesia, traz entrevistas com importantes nomes das artes e aborda temas relevantes à realidade de nosso continente.

Quanto ao estilo, não há uma definição. Apenas a disposição de dar um tom eclético ao meio de comunicação. Nessa primeira semana, já ouvi muito folklore, muita música brasileira (Adriana Calcanhotto, Elis Regina, Chico Buarque, Caetano Veloso, entre outros), música uruguaia, chilena, mexicana, tango... tudo intercalado por uma canção e outra da grande figura que "nombra" a rádio. Há inclusive uma campanha para que os ouvintes enviem músicas ou poesias que representem seus países. A interação com o público é possível através dos endereços de email presentes na página da rádio, bem como, através do Facebook.

Alguns nomes colaboradores da empreitada são Teresa Parodi, Victor Heredia, Charly García, Fito Paez, Marcela Morelo e o gaúcho Luis Carlos Borges.

"La Negra Radio Web es urbana, pero con ritmos pausados; una radio desde Buenos Aires, pero con todas las voces de América Latina y el Caribe".

E, justo enquanto escrevo aqui para o América Macanuda, escuto "Canción con todos", na voz de Mercedes, desde a La Negra Radio Web.

Passem por lá: http://www.lanegraradioweb.com.ar

Abraços.

Informativo Cristiano Quevedo

2009-12-16T19:07:00.002-02:00

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Shana Müller divulga capa de seu novo CD

2009-12-16T10:22:00.000-02:00

por Chico Cougo [@chicocougo]

A cantora Shana Müller divulgou, ontem, a capa de seu terceiro CD (foto), que chega às lojas no próximo mês. "Brinco de Princesa" é um lançamento do selo GM/2 Música, distribuído pela Acit para toda a região Sul do Brasil. Em seu blog, Shana revelou que o novo disco "é um marco bem legal na minha vida e na minha carreira". Diferente dos outros CDs de Müller, desta vez a imagem de capa parece menos afincada aos aspectos meramente regionais.

Coluna Mano a Mano

2009-12-15T17:38:00.002-02:00

Pirataria ou salvação?

por Chico Cougo [@chicocougo]

(Copacabana)

Se a Internet fez algo de bom pela história da música, foi possibilitar que cada um de nós possa viajar no tempo, catando velhos discos. Nunca foi tão fácil buscar gravações antigas, obras de artistas que já morreram e canções que se perderam no tempo. Hoje, meia dúzia de cliques tornam a missão da pesquisa musical um processo fascinante e infinito.

Há quem diga que a disponibilização de velhos discos (muitos deles LPs remasterizados de forma amadora, sem nenhum lucro para quem o faz, a não ser o prazer de compartilhar) é pirataria. Legalmente, até posso concordar. Como amante de música, nunca. Não fossem estes "piratas", discos como "Tropa Amarga", gravado por Luiz Menezes e Darcy Fagundes em 1968 (uma das maiores pérolas do cancioneiro gaúcho), até hoje seriam relíquias praticamente desconhecidas pelas novas gerações. Aliás, muitos artistas teriam quase toda sua discografia perdida se a Internet não existisse. Berenice Azambuja, Jorge Camargo, José Mendes e outros muitos (isso para ficar apenas deste lado da fronteira macanuda, já que na Argentina e no Uruguai processo semelhante também acontece) seriam artistas de dois, três ou nenhum disco conhecido, não fosse a grande penetração da rede mundial, que os trouxe à baila novamente.

Até mesmo os maiores astros da canção do Rio Grande do Sul dependem da Web. Teixeirinha, por exemplo, é um destes. Embora a Orbeat Music tenha lançado boa parte de seus discos no formato digital a partir de 2004, praticamente toda a discografia gravada pelo cantor na extinta Copacabana permanece inédita em CD. De José Mendes, outro fenômeno dos anos 60, apenas "Pára Pedro" (1968) foi relançado. Estes dois casos, aliás, representam algo de muito grave no que diz respeito à preservação do patrimônio musical destas plagas. Fato é que Teixeirinha e Mendes, entre outros artistas, fizeram suas carreiras nas grandes companhias discográficas com sede em São Paulo e Rio de Janeiro, todas elas sistematicamente engolidas pelas multinacionais norte-americanas e européias a partir dos anos 1980. Warner, Sony, EMI e outras companhias internacionais raramente se preocupam com os acervos musicais dos artistas sulinos, quase sempre destruindo ou "perdendo" as fitas-demo originais, como se o estilo musical que elas continham fosse coisa de um passado que não necessita de preservação.

A Internet se tornou a forma de protesto mais eficaz contra a detenção e destruição da arte que muitos amam e desejam transmitir a seus filhos e netos. Graças a ela, nossos artistas não se perderão mais no tempo, sendo revisitados a cada nova geração. Pirataria ou não, é este o processo que poderá salvar a produção musical da América Macanuda contra os desmandos que vem de cima.

Informativo: Nina França

2009-12-13T17:53:00.000-02:00

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Coluna da Lidi

2009-12-11T21:09:00.000-02:00

Estância da Canção Gaúcha

por Lidiane Silveira

Aproveitando a deixa da publicação do Chico na Coluna Mano a Mano de terça-feira, também abarcarei o tema de um festival nativista que, infelizmente, perdeu muito de sua força nos últimos anos. Tanto que no ano corrente deixará seus seguidores só na expectativa. Falo do Festival "Estância da Canção Gaúcha", da minha cidade, São Gabriel. São Gabriel que, aliás, para os apreciadores do gênero, já foi muito melhor servida no quesito nativismo e cultura musical em geral. Contávamos não só com a Estância, mas alguns outros festivais durante o ano. Alguns seguem, com extrema força de vontade dos organizadores e outros, como a Estância, em 2009 ficaram na promessa.

Se bem o Festival não conta com todo o glamour da Califórnia, o que seria impossível devido aos anos e a história do evento de Uruguaiana, este já foi palco dos principais nomes da música do Rio Grande do Sul como Luís Carlos Borges, Pirisca Grecco, Miguel Marques, Leonel Gomes, Luis Marenco, João de Almeida Neto, Jairo 'Lambari' Fernandes, entre outros. Teve início em 1992, realizado no CTG Tarumã. Desde então, teve ininterruptas edições anuais, com exceção da 17ª que se realizaria este ano. Seu ápice, a meu ver, foi a 12ª edição, nominada "A Estância das Estâncias" de 2002, onde a concorrência ficou por conta de todas as campeãs dos anos anteriores, consagrando na voz de Miguel Marques a canção "Por onde anda a alma inquieta do poeta", homenagem ao compositor Edilberto Teixeira (com letras sempre presentes nos festivais gabrielenses).

Outra característica da Estância era a Fase Interna de São Gabriel e, no último ano, a "Estancinha" que deu espaço para crianças e adolescentes se apresentarem. Além disso, o palco do festival foi trampolim para nomes como Jean Kirchoff, Evandro Marques, César Oliveira, Rogério Melo, entre outros que viram nascer e consolidar suas carreiras no evento.

Contudo, apesar da idade adolescente, o festival já dava demonstrações de perda de fôlego, inclusive do público que era cada vez mais diminuto. Tenho as minhas deduções sobre o sucedido, mas já seria outro tema. O que lamento verdadeiramente, apesar de não ser tão afim do gênero, é que se deixe morrer o festival. Poderia ser reformulado, repensado, mas mantido. Com a não realização da Estância, São Gabriel perde muito no quesito "evento cultural" que já não é tão forte na cidade e que poderia ser muito melhor aproveitado.

1º Aí que eu me refiro

2009-12-10T17:46:00.002-02:00

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Informativo: Cristiano Quevedo

2009-12-09T18:01:00.000-02:00

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Coluna Mano a Mano

2009-12-08T00:30:00.002-02:00

Ainda a Califórnia

por Chico Cougo [@chicocougo]

(Foto: Jairo de Souza/Tribuna de Uruguaiana)

A repercussão da mídia foi muito pequena. Quase nenhuma, para ser sincero. Mesmo assim, ela está de volta. Com pouco glamour, bastante atingida em sua essência de pioneirismo e sem as polêmicas de antigamente. Foram quatro dias de Califórnia da Canção Nativa (36ª edição), o último deles, domingo, dia 6. À tarde, o resultado final foi divulgado. A Calhandra de Ouro - que já foi de O veterano e Esquilador - ficou com A sanga do Pedro Lira, composição de Marco Aurélio Vasconcelos e Demétrio Xavier, que também arrematou os troféus de Melhor Arranjo, Melhor Melodia, Melhor Letra e Melhor Música (na linha de Manifestação Rio-Grandense).

Tropeiro da meia-noite, de Paulinho Goulart, Tulio Urach e Fernando Saldanha, levou os prêmios de Melhor Conjunto Vocal, Canção Mais Popular e Melhor Música (linha Livre). Pirisca Grecco foi considerado o melhor intérprete; o gaiteiro Guilherme Goulart, o melhor instrumentista; na linha Campeira, De tempo e comparsa ficou com o prêmio maior.

Público presente? Não se falou em números, mas a quantidade de cadeiras vazias na foto - divulgada pelo jornal Tribuna de Uruguaiana (no click de Jairo de Souza) - não deixa muitas dúvidas. Houve um público cativo, mas pequeno. O tempo também não colaborou, tanto que a final do festival teve que ser adiada. O bonito palco montado acabou não sendo utilizado no último dia. Com uma hora e meia de atraso, e concorrendo com as finais do Campeonato Brasileiro de Futebol, a 36ª Califórnia da Canção Nativa de Uruguaiana chegou ao fim nas dependências da Sociedade Agrícola e Pastoril. Enquanto isso, o espetáculo Tholl formou uma fila quilométrica no ginásio local, rendendo a manchete: "Tholl leva público maior do que a Califórnia".

O festival aconteceu. Méritos da organização, que prometeu e cumpriu. Não é mais o mesmo. Vive uma decadência sem precedentes, com parco apoio da mídia e do público. Pecou em não usar mais dos recursos baratos de divulgação, especialmente a Internet (o site do evento se mostrou bastante pobre em informações). Parece ter perdido o fôlego, justamente no momento em que, mais uma vez, a música gaúcha clama por uma rediscussão de seus valores e dogmas. A Califórnia é o exemplo do que poderá acontecer com a música regional caso não haja um processo de reciclagem sério, embasado em pesquisa e no diálogo.

Ano que vem a Calhandra voltará a ser entregue no Cine Pampa, onde tudo começou, em 1971. Um retorno às origens, à modéstia e à humildade do evento. Que seja um retorno da Califórnia enquanto instituição cultural. Da música de qualidade também.

ATUALIZAÇÃO: A cantora Shana Müller deixou um comentário sobre a importância do resgate da Califórnia. Ela também conta alguns detalhes importantes do evento, principalmente para quem não estava em Uruguaiana e não pôde avaliar, de perto, o que aconteceu (como é o meu caso). Leiam-no!

Informativo: Nina França

2009-12-08T00:16:00.000-02:00

Coluna da Lidi

2009-12-04T21:21:00.003-02:00

"Por suerte tengo guitarra para llorar mi dolor"

por Lidiane Silveira

Quando ingressei na universidade, minha primeira professora de espanhol foi uma chilena que me 'alfabetizou', de certa forma, no idioma. No início era meio complicado entende-la, mas com o tempo fomos acertando os ponteiros e minha admiração e carinho por ela foram crescendo. Foi também através desta professora que indiretamente fui descobrindo algumas coisas sobre folclore latino-americano, através das músicas que levava para as aulas, e das vezes que se prendia a contar histórias de "Los Jaivas", "Gabriela Mistral", "Pablo Neruda" e, claro, "Violeta Parra". E é sobre essa notável figura do folclore chileno que gostaria de falar hoje.

(Foto: Divulgação)

Violeta Parra nasceu em 1917, em San Carlos (Chile), autodidata, aos doze anos já compôs suas primeiras canções. Envolveu-se em outros gêneros artísticos como pintura, escultura, bordados, entre outros. Contudo, seu maior trunfo talvez se dê a partir da década de 52, quando começa a recorrer zonas rurais chilenas em busca do que de mais autêntico há na cultura de seu país, e que até então representava uma riqueza escondida aos olhos do mundo. Tal feito a levou a ser reconhecida e estimada na Europa, onde faz shows em Alemanha, Itália, França, Rússia.

Viajou também por vários países da América Latina, mas sem muita explicação, tem reconhecimento em seu país somente após a sua morte ocorrida em 1967. Tanto que em 1965, na companhia de seus filhos e alguns outros folcloristas chilenos, instala uma Peña Folklorica em Santiago com o intuito de convertê-la em um centro de folklore chileno, empreendimento que não chega a alcançar proporções desejadas e, junto ao fim de um intenso relacionamento amoroso, vem a soar como um dos motivos ao triste fim da vida da artista.

Entre os temas abordados em suas canções estão a vida simples do campesino, o amor à terra, à vida, e passagens de suas próprias experiências, como nas conhecidíssimas "Volver a los diecisiete", gravada por Milton Nascimento e Mercedes Sosa, e "Gracias a la vida", também gravada pela Negra e outros vários nomes, entre eles Elis Regina. Destacam-se ainda em seu repertório canções de cunho político, onde seus versos assumem caráter de denúncia a injustiças sociais. Como exemplo está a canção "La carta" ("Habrase visto insolencia, / barbarie y alevosía / de presentar el trabuco / y matar a sangre fría / a quien defensa no tiene / con las dos manos vacías, sí"), que anos mais tarde impulsionou a letra do cantor espanhol Joaquin Sabina para a música Violetas para Violeta ("Lo dijo Violeta Parra, / hermana de Nicanor, / por suerte tengo guitarra / y sin presumir de voz, / si me invitan a una farra / cuenten con mi corazón, sí"). Se alguém algum dia se dedicar a investigar o "dialogismo musical", tem aí um bom exemplo.

A discografia de Violeta conta com mais de trinta discos e suas artes plásticas estiveram em várias exposições no Chile, na Europa e na Argentina. Suas obras, hoje em dia, são de responsabilidade da "Fundação Violeta Parra", instituição criada pelos herdeiros da compositora com a finalidade de preservar e trazer viva a obra desta grande figura latino americana.

"Yo canto a la chillaneja si tango que decir algo,

y no tomo la guitarra, por conseguir un aplauso,

yo canto a la diferencia que hay de lo cierto a lo falso,

de lo contrario no canto"

Fica aí o convite a quem tiver a oportunidade de ouvir suas décimas, suas cuecas e entender um pouco de sua história e importância.

Até a próxima.

Fuerte abrazo!

1º Aí que eu me refiro

2009-12-03T16:57:00.003-02:00

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Já estão à venda os ingressos para o “1º Aí que eu me refiro – o nativismo abraça as crianças”

(Satolep Press) O melhor do nativismo gaúcho estará reunido no palco do Teatro Guarany, dia 23 de dezembro, às 21h, para um grande show em prol de uma boa causa. O 1º Aí que eu me refiro – o nativismo abraça as crianças terá como atrações Aluísio Rockemback, César Oliveira e Rogério Melo, Cristiano Quevedo, Fabiano Bacchieri, Hélio Ramirez, Joca Martins, Luciano Maia, Luiz Marenco, Os Gaudérios e Volmir Martins e a renda revertida para Casa da Criança São Francisco de Paula, de Pelotas.

Os ingressos estão à venda a partir de hoje(03), no Posto Cidadão Capaz, em Pelotas, ao preço de R$ 15,00. O produtor Jarbas Mello, da Conexão V.P.I. informa que os lugares são marcados, por isso quem quiser garantir as primeiras filas deverá se adiantar. “Será um evento grandioso, com a nata da música gaúcha reunida, por isso já antecipamos a venda de ingressos”, avisa. A iniciativa foi lançada para imprensa em novembro, quando o músico Joca Martins e a presidente da entidade, Miriam Andréa, reuniram convidados para um almoço nas dependências da Casa da Criança São Francisco de Paula, em Pelotas.

Na ocasião, a presidente contou que a casa atende hoje 165 crianças de zero a seis anos que recebem diariamente cinco refeições e todo cuidado, incluindo orientação pedagógica, assistência social e psicológica, assistência médica e odontológica além de educação religiosa. Sobre o show beneficente, Miriam explicou que a doação será muito bem-vinda, já que os recursos que suprem manutenção da entidade são federais e contemplam só doze meses. “Por isso nessa época, nossa folha precisa ser complementada para o pagamento do décimo terceiro e das férias dos funcionários que trabalham na entidade”, salienta.

A idéia, segundo Joca Martins, é de anualmente reunir artistas que valorizam a música nativista e além de promover a integração dos músicos, ajudar a uma boa causa. “Queremos que Pelotas seja palco de um grande encontro de talentos e que ao mesmo tempo que estejamos celebrando a música que tanto valorizamos, possamos reverter a renda para essas crianças carentes”, destaca.

A entidade abriga crianças de classe média baixa, em especial famílias onde pais e mães trabalhem fora e que além disso possam estar em situação de risco social e pessoal. A casa mantém turmas de berçário e maternal, de zero a 3 anos e 11 meses e pré-escolar, de 4 anos até 6 anos. Contam com o apoio de vários voluntários, desde as mordomas, até médico pediatra, dentista, nutricionistas, estagiárias de serviço social , pedagogia e pessoal encaminhado pela ONG Parceiros Voluntários, além de pessoas (associados) e empresas que gratuitamente prestam serviços de manutenção .

Serviço:

1º Aí que eu me refiro – o nativismo abraça as crianças

23 de dezembro de 2009

21h no Teatro Guarany, em Pelotas/RS

Ingressos marcados:

Posto Cidadão Capaz

Rua Félix Cunha, 553
Pelotas – RS – telefone: 53 3025-2891

Preço:

R$ 15,00

Informativo: Cristiano Quevedo

2009-12-01T23:53:00.000-02:00

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Ecos de mi tierra #34

2009-11-29T00:03:00.000-02:00

(Divulgação/TV Pública)

Neste domingo tem Ecos de mi tierra, com a apresentação de Soledad Pastorutti. No programa, La Sole recebe a visita de Los Alonsitos, Melania Perez, Gustavo Patiño, Escuela de Danza e Bumbo Libertador.

Ecos começa às 13hs (14hs pelo Horário Brasileiro de Verão) e pode ser assistido pelo site da TV Pública da Argentina.

Coluna Mano a Mano

2009-11-28T16:12:00.001-02:00

A Califórnia voltou

por Chico Cougo

(Foto: Centro de Tradições Gaúchas de Niterói)

O maior festival de música nativista do Rio Grande do Sul está de volta. Depois de inúmeras crises, dívidas e decepções, a 36ª Califórnia da Canção Nativa de Uruguaiana está prestes a se tornar realidade. De acordo com a organização do evento, o festival está previsto para os dias 3, 4, 5 e 6 de dezembro, no Parque Agrícola e Pastoril de Uruguaiana, onde é esperado um grande público.

Dividindo opiniões há mais de trinta anos, a Califórnia da Canção nasceu em 1971, depois que o músico Colmar Duarte não conseguiu classificar sua canção Abichornado em outro festival, decidindo, então, organizar um certame aberto exclusivamente à canção regional. Em pouco tempo, o Cine Pampa de Uruguaiana e, mais tarde, a Cidade de Lona, transformaram-se no palco do mais esperado evento musical do Rio Grande do Sul. As canções vencedoras da Calhandra de Ouro nos anos 1970 transformaram-se em sucesso, seus compositores e intérpretes foram elevados à condição de astros e, em 1987, o evento chegou a ser transmitido pela TV, para todo o país.

Forte, a Califórnia passou a ser, também, o palco de uma ambiciosa renovação musical do Rio Grande do Sul. Contra os "astros oficiais" da época (como afirmava o músico Luiz Coronel, em 73), o festival de Uruguaiana consolidou o movimento nativista, uma nova vertente musical, mais sofisticada e oposta àquela sobre a qual pairava o estigma da "grossura" (especificamente o cancioneiro de Teixeirinha, Gildo de Freitas, José Mendes e outros conhecidos nomes do gauchismo).

É claro que a Califórnia não conseguiu enfraquecer a popularidade dos "grossos" ou "tradicionalistas". No entanto, ela conquistou seu lugar, e foi declarada Patrimônio Cultural do Estado em 2004. O problema é que, à estas alturas, a criatura já vitimizara seus criadores. Polêmico desde o início, o certame onde foram revelados nomes como Leopoldo Rassier e Vitor Ramil, começou a se desgastar no final dos anos 1980, com a disputa por quem daria as tintas para os novos rumos da música gaúcha. Cada vez mais "sofisticada" em sua proposta estética e preenchida por um cancioneiro de difícil assimilação (como grande parte do nativismo é, ainda hoje), a Califórnia foi naturalmente perdendo público. Em 2002, o evento já era um arremedo do que fora. A partir de 2006, a falta de verbas e investimentos levou a festa da Cidade de Lona às ruínas.

Agora, uma nova etapa. Mais modesta, a Califórnia eliminou as tradicionais pré-califórnias (etapas classificatórias) e promete um espetáculo mais humilde e de qualidade. Foram centenas de canções inscritas e 25 classificadas para a fase final. O evento conta com o apoio da prefeitura de Uruguaiana, CTG Sinuelo do Pago e duas empresas privadas. A missão de recuperar a importância de outrora é árdua. Mais ainda é a de repensar os rumos da música nativista (de todo o gênero gauchesco, na realidade), cada vez mais fechado em torno de si e dono de popularidade praticamente irrisória. Tomara que o reerguimento do festival sirva para estas reflexões.

Leia também:
Coluna da Lidi

Prêmio Teixeirinha

2009-11-28T15:57:00.002-02:00

(Foto: ClicRBS)

Terça-feira, dia 1º de dezembro, ocorre a entrega do Prêmio Vitor Mateus Teixeira (Teixeirinha), no Teatro Dante Barone, da Assembléia Legislativa (Praça Marechal Deodoro, Porto Alegre). O evento é aberto ao público e começa às 19h30. Para acessar a lista de premiados, visite o site da Fundação Teixeirinha.

Coluna da Lidi

2009-11-27T22:28:00.002-02:00

"Árbol sin raíces no aguanta parado ningún temporal"

por Lidiane Silveira

Não faz muito tempo que enveredei por ouvir a música folclórica latino-americana. Diria que faz muito pouco tempo comparado ao que esta arte tem a me presentear. E uma das coisas mais bacanas nesse meio tempo é ter contato com pessoas que conhecem muito do assunto e me ajudam apresentando ritmos, cantores e canções de Folklore.

E foi mais ou menos assim, por indicação do amigo Diego Farias, que conheci a dupla uruguaia Larbanois & Carrero, que, apesar da proximidade geográfica entre os riograndenses e os orientais e das atuações do duo em algumas cidades do RS, carecem ainda de reconhecimento por parte da 'gauchada'.

A dupla tem início em 1977, composta por Eduardo Larbanois, natural de Tacuarembó, e Mario Carrero, natural de Florida. Anteriormente, ambos desenvolviam trabalhos relacionados à música, participando de festivais no Uruguai. Na mesma década, fundam o projeto Canto Popular, que teve grande participação na luta pela recuperação da democracia uruguaia.

Em mais de 30 anos de trabalho ininterrupto, Larbanois & Carrero contam com 24 trabalhos discográficos e um DVD comemorativo às três décadas de carreira. Seus shows já foram cartaz em países como Rússia, Austrália, Nova Zelândia, Espanha, Paraguai e em várias províncias argentinas, com destaque para as apresentações no Luna Park, La Trastienda e Gran Rex na capital portenha. Também andaram por terras tupiniquins, com participações em festivais de Bagé, Alegrete, Santa Maria, shows em Porto Alegre, Rio Grande, Gramado e Canela, além de contar, na década de 80, com uma participação no programa Fantástico da Rede Globo.

Outra relação com os brasileiros está na parceria que fizeram com alguns nomes da MPB, como na apresentação junto a Chico Buarque, em Pelotas, e no cd "El Dorado" com Belchior.

Alguns de seus CDs foram editados também no Brasil. Contudo, não saberia informar-lhes da possibilidade de se encontrar esse material nas lojas brasileiras do ramo discográfico. A quem tiver curiosidade de saber um pouco mais sobre Larbanois & Carrero, indico a visita ao site da dupla: http://www.larbanois-carrero.com.uy/ , onde você encontra, além de muita informação, fotos e multimídia, um design super bonito acompanhado de algumas músicas da dupla.

Vale a pena.

"Y aunque es malo mantenerse aislado

cuando todo el mundo está tan conectado

si el diablo hay que tener cuidado
la cultura nunca puede estar de lado

no todo está en venta, no todo es mercado

árbol sin raices no aguanta parado

ningún temporal"

Fuerte abrazo!

Até a próxima.

Informativo: Cristiano Quevedo

2009-11-26T10:29:00.001-02:00

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Leia também:

Coluna da Lidi

Coluna Mano a Mano

Grandes Discos

2009-11-24T22:55:00.001-02:00

por Chico Cougo

Periodicamente, o América Macanuda vai trazer a seus leitores a seção "Grandes Discos", sempre com comentários sobre renomadas produções da indústria fonográfica sul-americana do passado e do presente. Para esta primeira edição, escolhi um álbum que completa dez anos de existência em 2010. "Marcelo Álvarez sings Gardel" (Sony Classical, 2000), é o disco ideal para os apaixonados por tango e admiradores de Carlos Gardel (1890-1935).

Este CD é o segundo na carreira do tenor argentino Marcelo Álvarez (Córdoba, 1962). Acostumado a cantar nos grandes palcos operísticos da Europa, Álvarez parece ter sido despertado pelo sentimento argentino de reverência a Gardel e conduzido a homenagear o ídolo. Depois de seu primeiro álbum ("Bel Canto", 1998), o cantor realizou aquela que, provavelmente, é a aventura mais ousada de sua carreira: resgatar o sempre perene repertório gardeliano a partir do estilo erudito.

O resultado não poderia ser mais fascinante. Sob a direção de Jorge Calandrelli e acompanhado por grande orquestra, Marcelo Álvarez presenteia seu público com treze temas que marcaram a carreira do "morocho del Abasto". A começar por Tomo y obligo, tango de 1931 que tem toda sua dramaticidade resgatada, especialmente pela desenvolta ação dos violinistas convidados (Miguel Angel Bertero e Fernando Suarez-Paz).

A seqüência é completada pelo consagrado cancioneiro da dupla Gardel/Le Pera. Em Soledad (1934), Álvarez consegue mergulhar em detalhes de originalidade, sem dispensar inovações de bom-gosto, como o famoso "repique" nas cordas cegas do violino, movimento que marcou a produção musical de outro mito tangueiro - Astor Piazzolla. Já com El día que me quieras (1935), o tenor cumpre a proeza de remontar, com toques modernos, aquele que é um dos maiores clássicos gardelianos (embora a supressão dos versos declamados, presente em quase todas as regravações, mas ausente neste disco, tenha feito falta). Por una cabeza (1935), a grande metáfora turfística da história do tango, é outro clássico que não fica de fora do álbum de Álvarez e dos arranjos de sua orquestra acompanhante. Por sua vez, Volver (1935), que se transformou em algo como um hino-ode a Gardel logo após o falecimento do cantor, também recebeu atenção especial na gravação, desta vez com um toque mais intimista.

Numa espécie de "segunda parte" do disco, ocorre o resgate de algumas peças mais antigas e também daquelas que são mencionadas com menor intensidade pelos fãs de Gardel. Do repertório mais recuado no tempo, Mano a mano (1923) me parece uma ótima escolha de Álvarez. Na gravação, expressões típicas do lunfardo portenho foram suprimidas (até porque o disco foi destinado ao mercado europeu), fato que pode ter desagradado alguns preciosistas, tanto quanto a incursão (ainda que tímida) de uma guitarra elétrica nos primeiros acordes da introdução. Cuesta abajo, mais uma canção "made in USA" por Gardel/Le Pera, também recebeu modificações singulares, à ponto de ter seu arranjo praticamente todo alterado. Nem por isso perdeu sua força e qualidade.

Já Golondrinas (1934), Melodía del arrabal (1932) e Caminito (1926) me parecem as gravações mais "normais" de "Marcelo Álvarez sings Gardel". Afora o vozeirão do tenor, que é o grande e esperado destaque da obra em geral, nada demais. E isso porque, talvez, o ponto alto da produção tenha sido reservado para o final.

A propósito, as três faixas que encerram o disco são difíceis de descrever. Volvio una noche (1935), o último tango de Gardel, é reconhecida por sua difícil interpretação, mas foi resgatada em toda sua força. O arranjo deste tango foi montado de forma gradativa. Nos versos finais, a voz do tenor e o instrumental se unem num tom apoteótico, de acordo com a carga dramática da letra. Em La cumparsita (Si supieras), o tango mais conhecido do mundo, quem rouba a cena é o bandoneonista Nestor Marconi, com quase trinta segundos de solo instrumental. Por fim, Mi Buenos Aires querido surpreende o ouvinte com o duo Gardel-Álvarez. Isso mesmo! Através de recursos de edição digital, a voz do maior astro que a Argentina já conheceu se une a de seu discípulo, numa interpretação absolutamente indescritível.

"Marcelo Álvarez sings Gardel" é um daqueles álbuns raros que consegue ser original mesmo partindo de um material repisado inúmeras vezes e por artistas diversos. Em tempos em que é cada vez mais difícil encontrarmos releituras de qualidade, este grande disco merece atenção do público tangueiro pelo resgate que faz de seu maior e jamais esquecido ídolo.

Artista, divulgue seu trabalho!

2009-11-24T20:55:00.001-02:00

O América Macanuda é a mais nova opção de divulgação da música regional na Internet. Por isso, contamos com sua colaboração. Você, artista e/ou produtor cultural, envie seu material de divulgação para o email chicocougo@gmail.com e faça parte deste novo projeto!

Cristiano Quevedo no Long Play

2009-11-21T20:13:00.000-02:00

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Coluna Mano a Mano

2009-11-21T15:13:00.000-02:00

Tarefa de gincana

por Chico Cougo

Quem é fã de música folclórica argentina já sabe: comprar discos do gênero, no Brasil, é uma verdadeira tarefa de gincana. As majors da indústria fonográfica consideram oneroso demais investir no mercado brasileiro. Por sua vez, as grandes lojas daqui não comercializam o cancioneiro platino, pois preferem crer que não há "mercado", que a famosa "barreira idiomática" nos desune etc. Mesmo que artistas como Chaqueño Palavecino, Horacio Guarany e Mercedes Sosa tenham boa aceitação na Região Sul do Brasil, seus CDs e DVDs são raros nas prateleiras das lojas e mesmo nos sites da Internet. Quem quer ouvi-los, ou recorre aos downloads e à "pirataria", ou então importa o material - à preços nada módicos - de sites como Amazon e Musimundo.

À passos muito lentos, mas felizmente, este quadro está começando a mudar. Fato é que a música de inspiração folclórica da Argentina ganhou novo fôlego há mais ou menos quinze anos, fenômeno que vem se refletindo também no lado sul-brasileiro. Depois que a cantora Soledad Pastorutti, representante máxima do "nuevo folklore", visitou o Brasil em três ocasiões (duas delas em 2009), com surpreendente repercussão na imprensa, finalmente alguns lojistas abriram os olhos para o filão de mercado até então ignorado.

No Rio Grande do Sul, uma das primeiras lojas de discos a se dar conta do poderio mercadológico da música do Prata foi a Studio CD's, de Pelotas (situada nos números 1678 e 1900 do Calçadão da Andrade Neves). Depois dela, foi a vez da capital do Estado receber os primeiros discos de nossos "hermanos". A Calle Corrientes (que é, em sua essência, uma livraria) e a Via Imports (situada na Galeria Chaves, no coração portoalegrense), nas últimas semanas, deram destaque para discos de Mercedes Sosa, Los Tucu Tucu, Horacio Guarany e, claro, La Sole. O "furacão de Arequito", aliás, teve discos comercializados até mesmo na 55ª Feira do Livro da cidade, encerrada há menos de dez dias.

Entre os títulos de destaque, estão os álbuns "Cantora", de Mercedes Sosa (vencedor do último Grammy Latino), "Vital", de Tamara Castro, "Eternamente", do grupo Los Tucu Tucu ,e antologias de Guarany e Los Carabajal. De Soledad, encontrei "Sole y Horacio Juntos por Unica Vez" (foto), "Soledad - Clarín", "La Fiesta" e "Folklore". Os preços variam entre 39 e 46 reais, em verdade altos, mas, ainda assim, mais acessíveis do que os valores cobrados por sites de importação.

Lentamente, o folclore da Argentina chega ao Brasil, um fenômeno estranho que não precisaria ocorrer desta forma, afinal, argentinos e brasileiros são vizinhos, nossa arte e história tem muito em comum e outros gêneros musicais como o tango e o rock portenho tiveram (e ainda tem) entrada fácil por nossas plagas. Independente da explicação cultural que se possa atribuir a esse processo, espero que os discos de todos os estilos possíveis atravessem, cada vez mais, nossas fronteiras macanudas. Afinal, é de encher os olhos ver La Sole, em destaque, nas vitrines brasileiras.

Ecos de mi tierra #33

2009-11-21T14:26:00.000-02:00

Neste domingo, o programa Ecos de mi tierra, sob o comando de Marcelo Iribarne e da cantora Soledad Pastorutti, recebe Chaqueño Palavecino, Luis Salinas, La 'Bruja' Salguero e Santos Rocha, para um animado bate-papo e muito folclore argentino. A trigésima terceira edição do Ecos vai ao ar às 13hs de Buenos Aires (14hs pelo Horário Brasileiro de Verão).

O programa pode ser visto pela Internet, através do site da TV Pública, Canal 7 de Buenos Aires. Vale à pena!

Coluna da Lidi

2009-11-20T20:22:00.002-02:00

"Un ranchito borracho de sueños y amor quiero yo"

por Lidiane Silveira

Y buen, fui convidada pelo amigo Chico a fazer parte do "América Macanuda" e é com muita honra que aceitei participar da belíssima e prazerosa empreitada. Peço licença aos leitores para dar alguns pitacos sobre a música sulina.

Já há alguns dias, estava planejando escrever algo sobre uma canção conhecidíssima que começa mais ou menos assim "El viejo rio que va, cruzando el amanecer...". Identificaram? Sim, "El cosechero", gravada por muitos nomes da música folklórica argentina, assim como outros tantos nomes da América do Sul.

"El cosechero" é um rasguido doble (ritmo derivado do chamamé e da milonga, que teve seus inícios com "En el rancho y la cambicha") composto pelo ilustre misionero Ramón Ayala, autor também de "El cachapecero", "Posadeña linda" e, claro, da galopa que lhe alcunha "El Mensú", fazendo referência ao trabalhador rural do Paraguai e da região Noroeste argentina.

Ramon Ayala

Me despertou curiosidade a canção pelo simples fato de escutar ela em alguns lugares e com uma freqüência que há uns dois, três meses atrás não acontecia. Só para constar, outro dia, pela rua, passei por um grupo de jovens que, acompanhados de um violão, entoavam em alto e bom som "Algodón que se va, que se va...". Por isso, me pergunto se seria possível dizer que "El cosechero" chegou aos ouvidos do Rio Grande do Sul só agora, depois de mais de trinta anos de sua gravação?

Ignorância minha. Por isso, fui procurar.

Estive buscando na Internet e encontrei a referência de "El cosechero" (1989) com o Grupo Querência (lembram deles?). Aliás, o mesmo grupo já gravou, anos atrás, "Merceditas", "Los ejes de mi carreta", "Km11", mas, ao que parece, viraram Tchê Music, infelizmente. Já conhecia também as participações de Luis Carlos Borges nos palcos, inclusive de Cosquín, junto a Mercedes Sosa, por citar, com quem conheci a música e que tem a minha preferência.

Grupo Querência

Pois bem, sabemos também que em seu último trabalho, Juntos de Verdad, Soledad, Chaqueño Palavecino e Los Nocheros fizeram uma homenagem especial a Ramón Ayala gravando "El Mensú" e "El cosechero". Fato que pode, talvez, justificar a evidência da canção por estes lados, haja visto a crescente abertura que tem Soledad Pastorutti no Rio Grande do Sul.

Outro nome riograndense que parece ter aderido à canção é a cantora Shana Müller, que em seus recentes shows vem apresentando uma nova versão dos versos de Ayala. E, citando alguns outros nomes que lançaram-mão de ditos versos, temos: Trio Candilejas (Equador), Los Tucu Tucu, e, segundo o meu amigo Chico, Tamara Castro, com quem estou morrendo de vontade de ouvir.

E é isso, pessoal, quem souber de alguma outra versão, comenta aí.

Até a próxima. Fuerte abrazo!

Informativo: Cristiano Quevedo

2009-11-18T17:00:00.000-02:00

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Mulheres Pampeanas

2009-11-14T19:54:00.001-02:00

Quatro mulheres, quatro grandes talentos. É difícil encontrar um grupo sul-riograndense tão bom quanto o Mulheres Pampeanas, composto por Anelise Severo, Juliana Spanevello, Mariana Acordi e Talyta Vargas. Conjunto vocal reunido pelo produtor Nelcy Vargas, o grupo começou a ser formado no ano 2000, quando deu seus primeiros espetáculos pelo sul do Brasil. A carreira individual de cada uma das integrantes do quarteto foi mantida em paralelo ao projeto, até que - em 2007 - a gravadora Vertical transformou o show "Mulheres Pampeanas cantam o Gaúcho" em disco.

O primeiro CD das cantoras deixou claras as propostas estéticas do grupo: alta qualidade musical, resgate do cancioneiro "clássico" tradicional e reverência a compositores de gêneros e gerações distintas. Como o espetáculo, o álbum é dividido em três atos, de acordo com as propostas temáticas: "Andanças e Tropeadas"; "O Amor e as Crenças" e; "História e Tradição". Os arranjos foram feitos à base de gaita, violão e percussão, todos bem engendrados de forma a não "ferir" as gravações originais (quase todas com mais de três décadas de existência).

No CD, o primeiro ato traz os clássicos Gaúcho eu sou/Os homens de preto, Oh! de Casa, Andarengo, Sistema antigo e Volta do tropeiro. Destas, destaco Andarengo, composição de Antonio Augusto Fagundes (Nico), gravada pela primeira vez por José Mendes, em 1969! Se na voz de Mendes, a toada-milonga de letra filosófico-existencial já ganhara tons apoteóticos, na versão das Mulheres Pampeanas a canção parece ter recebido um plus, um diferencial cheio de qualidade e personalidade.

No segundo ato, "O Amor e as Crenças", três grandes interpretações com Noite pampeana, Vá embora tristeza e Negrinho do pastoreio. Vá embora tristeza, aliás, é outro clássico imortalizado (e, neste caso, composto) por José Mendes, o que denota o interesse das cantoras em trazer à tona os antigos sucessos do sul. Negrinho do pastoreio, de Barbosa Lessa, mesmo regravada inúmeras vezes desde os anos 1950 (quando foi levada ao disco pela primeira vez, na voz do Conjunto Farroupilha), consegue ser ainda muito jovial na interepretação das Mulheres Pampeanas. É um dos maiores destaques do grupo, na minha opinião.

Fechando o disco, "História e Tradição" reverencia a pampa em suas diferentes facetas através de Sangue de gaúcho, Canto Alegretense, Baile do Sapucay e Quando sopra o Minuano (Levanta gaúcho). Mesmo achando que Canto Alegretense é um daqueles clássicos que fica bem em onze de cada dez gravações a que é submetido, deste ato eu fico com Quando sopra o Minuano, de Barbosa Lessa. De todas as canções ufanistas já feitas em tributo ao Rio Grande do Sul, poucas chegam perto desta verdadeira ode ao Estado sulino. Na voz das Pampeanas, a canção ganhou sobrevida e diferencial.

Tomara que o Mulheres Pampeanas presenteie o mercado musical com novos lançamentos - e em breve. Seria no mínimo fantástico se este projeto seguisse em frente, principalmente por ter a preocupação da pesquisa musical, regravando clássicos de intenso apelo popular, mas que - hoje - andam esquecidos nos porões das gravadoras do eixo Rio-São Paulo. Para finalizar, fiquem com o vídeo de Noite pampeana (Bruno Nehr) na voz das Mulheres Pampeanas.

Vitor Ramil em “Cielo no es”

2009-11-13T02:01:00.001-02:00

Fechando a cobertura do “Sarau La Negra – Um tributo a Mercedes Sosa”, o vídeo de Vitor Ramil cantando “Cielo no es”, versão em espanhol de canção própria. Segundo o cantor, a música foi preparada para ser gravada por Mercedes cerca de vinte anos atrás, mas a cantora de Gracias a la vida acabou nunca a levando aos discos.

Sarau La Negra (Fotos)

2009-11-13T01:53:00.004-02:00

E agora, as fotos do Sarau La Negra – Um tributo a Mercedes Sosa, realizado ontem, como parte da 55ª Feira do Livro de Porto Alegre.

Shana Müller foi a primeira a subir ao palco.

Depois foi a vez de Maria Luiza Benitez, que emocionou cantando em dueto com Borges.

O missioneiro, que era amigo pessoal de Mercedes, contou histórias da cantora.

Vitor Ramil cantou seu clássico, Semeadura, em dueto com Borges.

O uruguaio Daniel Torres também dividiu palco com Luiz Carlos Borges, desta vez cantando Como la cigarra.

Sérgio Rojas cantou a milonga Los Hermanos e o público aplaudiu com entusiasmo.

No encerramento, muita emoção com Luna tucumana.

Emocionada, Shana Müller cantou os versos de Gracias a la vida acompanhada pelo acordeom de Borges.

Depois foi a vez de todos, juntos, cantarem o maior clássico de Mercedes.

No encerramento, Vitor Ramil leu um texto em homenagem a La Negra.

Histórica homenagem a Mercedes Sosa

2009-11-13T01:36:00.001-02:00

Mercedes Sosa (1935-2009) cantou em Porto Alegre uma porção de vezes, a mais recente delas há pouco mais de duas horas, no Auditório Barbosa Lessa, Centro Cultural Érico Veríssimo. Não, o blogueiro não está sonhando. E quem foi ao “Sarau La Negra – Um tributo a Mercedes Sosa”, sabe que a maior voz da América Latina estava lá, senão fisicamente, por certo revivida na voz dos talentos que lhe homenagearam.

Shana Müller, Luiz Carlos Borges, Maria Luiza Benitez, Vitor Ramil, Daniel Torres e Sérgio Rojas – nesta ordem – deram as tintas daquela que certamente foi a maior reverência a La Negra nas terras brasileiras. Cada um dos convidados tinha sua história ao lado de Sosa. Shana dividiu palcos com ela em Cosquín e aqui mesmo, no Brasil. Borges foi amigo pessoal de Mercedes e estava ao lado da cantora em seus últimos momentos de vida, cerca de 40 dias atrás. Benitez e Torres também tiveram a oportunidade de conviver com a tucumana que mudou a música da Argentina, enquanto Ramil teve algumas de suas composições gravadas pela artista.

Por tudo isso, o show transcorreu de forma mais do que emocionante. Alternando momentos de frisson, como em Dejame que me vaya (chacarera cantada por Shana Müller em dueto com Luiz Carlos Borges), e instantes de emoção pura (Como la cigarra, por Daniel Torres), público e artistas demonstraram uma verdadeira “entrega” ao contexto. Quando Sérgio Rojas cantou os primeiros versos de Los Hermanos, as palmas abafaram sua voz, num gesto que mostra a força de Mercedes, da música latino-americana e de tudo o que ela representa.

Luiz Carlos Borges, este patrimônio cultural gaúcho, ficou com a duríssima missão de coordenar o espetáculo. Cantou, entre outras, Alfonsina y el mar e Missioneira, e não conseguiu esconder a voz embargada pela perda da amiga. Acompanhado de instrumentistas de primeira linha, ele ainda dividiu duetos fantásticos com todos os convidados, além de contar pequenas anedotas de sua convivência com Mercedes.

Mas o momento mais impactante da homenagem a Sosa ficou reservado para o final. Em Luna tucumana, cantada por todos os artistas, Vitor Ramil leu um primoroso texto-homenagem a La Negra e, a partir disso, poucos conseguiram conter as lágrimas. No encerramento, com Graças a la vida, o público aplaudiu de pé.

“Sarau La Negra – Uma homenagem a Mercedes Sosa” foi o tipo de show que só ocorre em circunstâncias únicas. E que mostra que só os bons sobrevivem. La Negra vive. Ela estava lá, todos a viram.

Informativo: Cristiano Quevedo

2009-11-11T17:01:00.000-02:00

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Informativo: Nina França

2009-11-11T16:58:00.000-02:00

Sarau La Negra – Um tributo a Mercedes Sosa

2009-11-10T23:39:00.002-02:00

Nesta quinta-feira, dia 12 de outubro, a 55ª Feira do Livro de Porto Alegre apresenta o Sarau La Negra – Um Tributo a Mercedes Sosa, com a participação dos cantores Vitor Ramil, Shana Müller, Daniel Torres, Maria Luiza Benitez e Sérgio Rojas. A coordenação do sarau é do renomado Luiz Carlos Borges.

O Sarau La Negra – Um tributo a Mercedes Sosa acontece às 20h30, no Auditório Barbosa Lessa (Centro Cultural Erico Veríssimo, no Centro da capital). A distribuição de senhas (no balcão de informações da Feira do Livro) começa às 18hs e a entrada é franca.

Uma homenagem imperdível à maior cantora sul-americana!

América Macanuda, o continente musical

2009-11-10T21:45:00.000-02:00

É difícil imaginar que exista algum outro continente tão rico em poemas e melodias quanto a América. Mais ainda, se pensarmos nos confins meridionais deste Novo Mundo, a região que a Geografia denominou América do Sul. Foi aqui, onde os ameríndios entraram em contato direto com africanos, europeus e asiáticos – ao longo de cinco séculos – que se formou o espaço territorial mais afortunado pela música.

A América do Sul deu ao mundo roqueiros, jazzistas, forrozeiros, sambistas... Mas deu também o “gaucho”, assim mesmo, sem acento. Deu o elemento meio índio, meio luso-espanhol, registrado por viajantes e escritores ao longo das centúrias, que andava pela cidade e pela pampa, quase sempre cantarolando velhas cantigas ao violão. Na região onde hoje se situam a Argentina, o Uruguai, parte do Paraguai e o extremo meridional do Brasil, criou-se uma cultura própria, um pouco fruto do meio, outro pouco oriunda da mescla, das trocas...

Nestas plagas, nasceu uma cultura musical única. Zambas, vidalas, chacareras, guarânias, candombes, milongas, vaneiras, xotes, tangos, chamamés, chamarritas e outros tantos e tantos ritmos criaram o continente musical que, aqui, chamarei de América Macanuda. Uma região que não está registrada nos mapas tradicionais, que não termina nas fronteiras de cada nação e, tampouco, obedece às novas tendências político-econômicas (MERCOSUL, Conesul...). América Macanuda, o continente musical, engloba a música – seja nova ou antiga, pura ou heterogênea, brasileira, uruguaia, argentina, paraguaia ou inspirada em quaisquer delas. E é disso que este site trata; se dedica à canção de inspiração folclórica, tradicional, nativista ou apenas (e de forma mais generalizada) regional sul-americana.

Antes que o leitor se questione, uma explicação sobre o segundo elemento que intitula este blog, o termo “macanuda”. No lunfardo, a gíria dos subúrbios buenairenses, a expressão “macanudo” significa algo belo, soberbo, esplêndido, “muy superior”. Nas paisagens pampeanas, o termo também virou um adjetivo que fala por si próprio. Seu uso ampliou-se, disseminou-se pelas cidades e faz parte das culturas dos países cuja música será abordada nesta página. Daí a intitulação.

América Macanuda é, pois, um blog voltado para a divulgação de obras musicais de ontem e de hoje. Agendas de shows, lançamentos de discos e entrevistas com artistas comporão este espaço. No entanto, presenciando a lacuna existente sobre o tema “música regional” na Internet, também publicarei (periodicamente) textos e resenhas sobre a carreira de astros e estrelas da música “macanuda”, tudo com base na experiência – de sucesso – empreendida em meus outros dois blogs, Revivendo Teixeirinha e Memórias do Chico.

Espero que gostem do América Macanuda. Convido-os a acompanhar esta página que, aos poucos, será recheada com novos conteúdos, de Gardel a Soledad, de Jaime Caetano Braum a Teixeirinha, de Zitarrosa a Drexler. E que possamos, cada vez mais, conhecer nossa querida América. América Macanuda!